CARNET DE CONCERT

HEXECUTOR – ZOLDIER NOIZ - SOULBREAKER

30/05/2026 à l' Open Live à St Aban - Toulouse

Lors d'un dernier carnet de concert, j'avais mentionné que cela faisait pas mal de temps que je n'avais plus mis les pieds dans la ville rose ; et en l'espace de 3 semaines courant février, il y a eu ces 3 belles affiches au programme : Immolation – Marduk – Mayhem au Bikini le jeudi 12 février, le lendemain soit le vendredi 13 au Metronum : Cryptopsy – 200 Stabwounds – Inferi – Corpse Pile ; puis le 26 février au Bikini : Kataklysm – Vader – Blood Red Throne.

Me voilà partir en banlieue Nord-Ouest de Toulouse, sur la petite commune de St Alban afin de rejoindre l' Open Live. Eh oui, cela a encore changé de nom car il n'y a pas si longtemps, c'était le 145 live.....

Ce n'est pas le plus important, nous sommes là pour un concert qui tient toutes ses promesses.

On commence les hostilités avec : SOULBREAKER.

Cela faisait un moment que je souhaitais voir ce groupe, déjà parce que j'en ai entendu parlé en bien, en plus de le citer dans notre rubrique des concerts durant l 'émission de radio ; et en plus c'est également pour voir le poto Romain....., de toute façon qui ne connaît pas Romain ???!!!!!!!........

Les locaux du soir, puisque SOULBREAKER nous vient de Toulouse. Groupe de thrash formé en 2022, donc assez récemment, et propose 1 EP :

• Rising from insanity, sorti en 2025,

Le line-up est composé de :

• Aurélien : guitare et chant,

• Kévin : guitare,

• Romain : basse,

• Nathan : batterie.

SOULBREAKER évolue dans un thrash aux sonorités assez modernes telles que ANGELUS APATRIDA, WARBRINGER.....entre autres......

Nos oreilles ont bien chauffé avec :

• powers in your veins, nouveau titre,

• revealing the traitors, nouveau titre,

• rotting soul, issu du EP,

• fall of existence, nouveau titre,

• rising from insanity, issu du EP,

• escape the noise, nouveau titre,

• from sweat to blood, issu du EP,

• I spit on your grave, nouveau titre.

5 nouveaux titres joués en exclusivité, qui figureront sur leur prochaine production.

C'est très entraînant, brutal tout aussi groovy, on se laisse facilement embrigadé dans ce déferlement de riffs bien accrocheurs, accompagnés de solos tous aussi bien structurés sous fonds de blasts typiques du style. Aurélien assure bien au chant, un timbre assez clair, bien hargneux par moment. Des riffs typiquement thrash aux blasts énergiques, SOULBREAKER nous récite le manuel du parfait thrasher au plus grand bonheur des fans du style, dont Steph alias Thrashman présent bien sûr.....

Pour les fans de thrash pur jus, foncez sur ce groupe, vous ne serez absolument pas déçus....

https://www.facebook.com/profile.php?id=61568865060732

On continue la soirée avec : ZOLDIER NOIZ.

Groupe déjà vu plusieurs fois en live et c'est vraiment très bon.

Trio de Tarbes officiant dans un thrash old school à la Sodom, Celtic Frost, les premiers Voïvod.

Le groupe existe depuis 1999, originaire de Montpellier et ayant connu plusieurs line-up. Mais depuis quelques temps, celui-ci est composé de :

• guitare et chant : Tankvinss, fondateur du groupe,

• basse : Nikrass, patron de l'asso Be Gore in Bigorre et officiant également chez Iron Slaught, Asile Obscene,

• batterie : Pierrick.

Le groupe possède dans ses bacs : 2 démos, 3 albums, 1 split et 1 maxi, dont :

• schizoïd reject : 1° album de 2009,

• regression process, 2° album de 2014,

• merci, 3° album de 2020.

Une set-list bien variée pour ce soir avec là-aussi, des nouveaux titres qui figureront sur leur prochain album :

• noïz and smoke, issu du 1° album,

• schizoïd reject, issu du 1° album,

• ebola syndrome, issu du 2° album,

• marteau terreur, nouveau titre,

• le sang de la caste, nouveau titre,

• ruse à l'hypnotique, nouveau titre,

• yahwed ordonne, nouveau titre, qui a été diffusé durant notre émission de radio,

• d'essence anachrome, nouveau titre,

• champs de mars, nouveau titre,

• draine le marais, nouveau titre,

• œuvre au noir, nouveau titre, qui sera le titre du nouvel album,

• inheritence of cruelty, issu du 3° album,

• confinement blues, nouveau titre.

Les nouveaux titres sont chantés en français sauf confinement blues.

Quel privilège d'écouter en exclusivité toutes ces nouveautés. Mais par rapport au dernier live, j'ai trouvé notre trio beaucoup plus sombre dans sa musique. Alors oui, on reste dans un thrash bien costaud, bien putride et malsain, mais j'ai trouvé un peu plus de sonorité death, mais cela n'enlève en rien l'excellente prestation de nos montagnards car ZOLDIER NOIZ fracasse tout sur son passage.

C'est énergique et dévastateur, des riffs qui vous éclatent les entrailles. Nikrass fait claquer sa basse tel un damné et Pierrick martyrise ses fûts avec vélocité et précision.

Tankvinss nous gratifie de solos endiablés et de riffs hyper puissants et rapides. Quant à sa voix, bien rauque et dévastatrice, elle vous détruit les neurones.

Je languis la sortie de ce nouvel album.......

https://www.facebook.com/zoldier.noiz

On continue et finit la soirée avec la tête d'affiche : HEXECUTOR.

Groupe breton venant de Rennes, mais le guitariste vient d' Angoulême !!!...., il s'est formé en 2011 et officie dans un blackened thrash avec de forts passages heavy. Le groupe propose :

• 1 démo de 2012,

• 1 EP de 2014,

• 1 single de 2016,

• 1 album : poison, lust and damnation, de 2016,

• 1 album : beyond any human conception of knowledge, de 2020,

• 1 album : ...where spirit withers in its flesh constraint, de 2025.

Il s'agit d'un quatuor composé de :

• Jey Deflagratör : guitare et chants,

• S. Chainsaw Maeströr : basse,

• Putrid Von Rotten : batterie,

• Ricky Malevolent : guitare.

  

J'étais super content d'avoir enfin pu voir ce groupe l'année dernière lors de la Seisach n° 6, et de le revoir ce soir ne fait qu'embellir ma soirée.

HEXECUTOR, c'est un blackened thrash aux forts relents heavy.

Du cuir, des clous, ça tabasse grave, putain que c'est bon !!!!!, ça joue vite et fort.....

Nos oreilles se sont délectées avec :

• intro,

• dogue noir, issu du 3° album,

• ker ys, issu du 2° album,

• conomor le maudit, issu du 3° album,

• paol goz, issu du 3° album,

• les lavandières de la nuit, issu du 3° album,

• soldiers of darkness, issu du 1° EP,

• kerdis bras, issu du 3° album,

• visitation of a lascivious entity, issu du 1° album,

• la sorcière du marais, issu du 1° album,

• hangmen of roazhon, issu du 1° EP.

Ça commence toujours par cette petite intro, puis les morceaux s'enchaînent. C'est super énergique, ça balance des riffs assassins à tout casser.

Une musique bien structurée et agressive quand il faut. D'excellents musiciens sachant alliés la brutalité, la mélodie. Des solos brillamment exécutés qui vous percent les tympans, une ambiance malsaine avec ce thrash fortement inspiré black et agrémenté de fortes parties heavy, ce n'est que du pur bonheur. Une voix assez aiguë qui brise le cristal dans ses cris de la bonne époque Petrozza début des années 80, le tout chanté en français.

C'est carré, pas de fausse note. HEXECUTOR a fait une sacrée bonne impression, le public est conquis.

https://www.facebook.com/Hexecutor

https://www.facebook.com/cabaleprod

@+ pour d'autres soirées metalliques.......…

Golgauth
15/06/2026

Groupe : POWER PALADIN

Titre : Beyond the reach of enchantment

Label : Rock of Angels Records

Année : 2026

Quatre ans après « With the magic of windfyre steel », les islandais de POWER PALADIN reviennent encore plus forts. Si l’impression laissée par le premier album sorti en 2022 était plus que positive, avec un heavy power mélodique intense et ultra condensé, ces paladins n’ont pas chômé pour écrire un album encore plus rapide, encore plus enjoué et fortement épique encore une fois.

Epique parce que la pochette d’album et le livret lui-même sont tirés directement de l’époque médiévale, en perdant un peu de ce côté hyper fantasy, pour mieux aller se balader visuellement du côté des troubadours.

Alors en soi rien de terriblement changeant parce que POWER PALADIN a ici aussi bien exploité sa propre personnalité avec ses envolées de lead qui partent dans tous les sens dans une ambiance où l’on reconnaît facilement les origines nordiques du groupe, tant dans les vocaux de Atli Gudlaugsson, que dans les mélodies du groupe lui-même.

On retrouve encore une fois la légèreté qui avait fait la puissance du premier album, mais POWER PALADIN s’enfonce ici un peu plus dans la vitesse et un dynamisme rock’n’roll tout en restant dans un univers métallique, quitte même à ajouter anecdotiquement des vocaux gutturaux. Et sil est difficile de jongler entre les deux, POWER PALADIN s’en amuse. Certains titre commes « Glade lord of Athel Loren » rappellent la race des seigneurs en étant proche de riffs à la Elvenstorm.

« The royal road », possède du riff de chevalier qui part en croisade vers le dragon, avec cette musicalité hyper positive, comme peuvent l’avoir quelques groupes japonais ou sud coréens, mais toujours dans une atmosphère totalement joyeuse et positive, comme si faire rêver son auditoire était la chose la plus importante du groupe.
C’est impressionnant de bonne humeur et bluffant d’énergie épique , en exacerbant les ingrédients de Blind Guardian en plus fun, avec un feu d’artifice.

« The arcane tower » est un véritable hymne à la joie qui possède la marque des grands comme Edguy sur « Theater of salvation », et l’on découvre des titres féériques avec une voix très haut perchée qui mène la danse et fait virevolter les notes.

Le speed reste la norme sur les morceaux de POWER PALADIN qui même à vous faire vibrer sur du clavecin bombardent comme un jeu vidéo, une espèce de Grand Turismo musicalement heavy metal mélangé à du Destruction Derby qui file à toute vitesse laissant dans son sillage des refrains qui restent en tête.

Et c’est certainement une grande marque de fabrique désormais pour POWER PALADIN, parce qu’on leur reconnaît bien le style sans hésitation aucune.

On part aussi dans du plus profond avec « Aegis of eternity » qui offre une touche plus noble à l’ensemble de l’album grâce à des rythmiques plus massives et plus velues, flirtant avec le heavy thrash. Ceci fait montre d’une grande ouverture musicale pour atteindre quelque chose de plutôt bien fouillé, bien condensé et riche en émotions. Le parfait exemple pour résumer la musique de POWER PALADIN c’est : « Camelot Rock City », car rien qu’à la lecture du titre on peut comprendre le concept musical du groupe et sa couleur.

POWER PALADIN, oui, c’est une histoire de dragon, oui, il y a de la chemise à jabot, certes il y a un prince, un château , une princesse à sauver, mais c’est tellement bien foutu, que ça donne la pêche. La production est fabuleuse et offre à l’ensemble de l’album qui dure quasiment cinquante minutes, des enluminures aux pages que le groupe est en train d’écrire, et des dorures au livre qui contiendra son histoire.

Avec tout ce noir ça fait du bien de voir quelques couleurs offertes par des notes printanières, POWER PALADIN, PALADIN POWER ce groupe mérite et se démarque dans sa propre scène. Cet album surpasse le premier, il serait dommage de s’en priver.

Arch Gros Barbare

10/06/2026

GROUPE: BADASS COMMANDER

TITRE ALBUM: Intense combat experiment

LABEL: Crypt of Dr gore

DATE DE SORTIE: 2026

C’est l’humeur du moment qui guide une écoute de cd. Et l’humeur peut parfois être grognon-combative, vu la conjoncture actuelle une fois encore, car on s’enlise dans la chienlit la plus totale à tous les niveaux.
Alors c’est cette envie d’agressivité qui prend le dessus et pour mieux faire redescendre la pression quoi de mieux que du gros death qui suinte.

Alors c’est vrai que le visuel de ce premier album de BADASS COMMANDER ne laisse pas vraiment présumer ce qu’il y a à l’intérieur, parce que l’artwork de Max Brouemaster offre une vision plus grind et nucléaire que ce que propose BADASS COMMANDER.
Et en fait non, pas du tout, c’est un death metal poilu et velu qui pose sa moisissure sur le duvet de vos oreilles pendant presque une demi heure. Quelque chose de succinct mais qui vient à point nommer faire sonner le tocsin.

Les québécois savent faire ressortir ce qu’il y a de plus primaire et qui vient de l’ancien millénaire. Le style de BADASS COMMANDER se situerait plutôt vers un mélange insidieux sur la première partie d’album, de death metal putride qui va chercher dans des riffs plutôt américains à la Incantation, comme avaient su le faire les excellents Brutal Rebirth ; avec cette particularité que BADASS COMMANDER mélange des sauvageries à la Order From Chaos avec le death/grind pulpeux de projets tels que Defecation.

On y retrouve de multiples ambiances très underground sur « Obey the commander » ou encore « Shards of metal » qui posent une atmosphère de mort bien pesante, hommage guerrier à des groupes anglais comme Bolt Thrower.
Ça bute sévèrement et c’est pas pour les enfants. Les hommes-soja en tomberaient de leur trottinette et vomirait leur Quinoa.

BADASS COMMANDER c’est un condensé de brutalité sans tomber dans l’extrême ou l’ultra brutalité. Au contraire les gonzes gèrent leur vitesse, tout en crachant une violence morbide. On l’écoute bien sur les riffs caverneux de « Shard of metal ».
ça s’enfile comme parent 1 dans parent 2 avec des titres traditionnels où les rythmiques sont là pour labourer et pas pour se masturber le cortex. Ainsi s’enchaîne « Worst enemy » qui en fait là encore prend dans le death ricain de la fin des années 80, avec une ambiance proche de « Scream bloody gore » sur ce titre là spécialement.

Cette impression de déjà entendu à la manière d’un hommage véritable et un regard tourné vers l’âge d’or du Death metal font ce de premier album de BADASS COMMANDER quelque chose de noble.

Et quand on arrive à « Intense combat experiment », ce petit morceau qui ne paye pas de mine mais qui prend un son de guitare très Carcass sur « Symphonies of sickness » on sent alors malgré tout que les canadiens ont en effet le grind dans leurs veines. Les riffs sont plus gore, la voix plus « gerbilatoire » à tel point que ça vient confirmer définitivement la très bonne qualité de cet enregistrement.

Le son n’y est pas non plus pour rien, la production met le doigt sur l’authentique et quand on écoute « Endless darkness » on se rend bien compte du travail d’artisan réalisé pour donner une couleur réellement unique aux riffs avec une batterie qui sonne comme une batterie et pas comme un tempo de techno, c’est frais et ça sent le vrai.

On retrouve au travers de ces dix titres un esprit qui se perd de plus en plus et qui pourtant sera à tout jamais écrit dans le marbre, ce genre de death metal un peu grind à la Terrorizer, oui Terrorizer c’est ça aussi que l’on entend sur « Endless darkness » et pour tous ces bons moments, c’est clair que vous découvrirez avec ce « Intense combat experiment » une branlée atomique.

Voici donc un album discret mais dont le contenu n’a pas de prix. Presque trente minutes , du riff qui tient au corps, de quoi tenir pendant les années de misère et les « restrictions budgétaires ». Alors sans l’ombre d’un doute, investissez dans l’achat de cet album parce que la vie est trop courte. Il faut vivre le moment présent.

Arch Gros Barbare

10/06/2026

Carnet de voyage en Terres de Rohan , au milieu des vieilles pierres et de l’imaginaire
23-24-25 mai 2026 ROHAN – ROCHEFORT EN TERRE

Ecrire n’était pas prévu au programme, car habituellement les carnets de concerts ne concernent que la musique que nous vivons et qui vit au travers de notre passion. Mais la passion n’est pas toujours musicale, elle est parfois littéraire : l’amour des mots, la passion des livres. Ici il s’agit d’un festival particulièrement cher à nos coeurs, alors en guise de carnet celui-ci sera de voyage, pour raconter cette espèce de belle aventure le temps d’un week-end pour tout passionné de J.R.R Tolkien qui se respecte.

Voici donc un carnet de voyage imprévu sur ce que nous avons vécu, quelque chose d’authentique et succulent car il était en Terres de Rohan...

Choisir un festival en dehors de la période estivale est toujours chose difficile, car il faut le bon timing, la bonne météo, la bonne route et la bonne personne. Pour la bonne personne ce n’était pas compliqué car pour le coup Mme Barbare se trouvait être la personne la plus appropriée (car elle est aussi ma moitié) puisque elle et moi sommes tous deux de fervents admirateurs de l’univers complet et complexe du plus grand écrivain de tous les temps : Tolkien.

Pour la météo, on ne pourra plus jamais dire que la Bretagne est humide, car en Pays de l’Oust à Brocéliande, il fit un temps radieux, merveilleux, chaleureux et tout aussi magnifique qu’il puisse être en Terre du Milieu.

Pour la bonne route, au diable la distance, au diable le prix du carburant (bon pas tout à fait quand même), un festival pour les fans de Tolkien par les fans de Tolkien , cela ne pouvait mieux tomber.

En effet c’est la troisième édition cette année, et lorsque nous avons cherché un festival où nous pourrions nous sentir à notre place, quelle ne fut pas notre surprise et notre émerveillement lorsque nous découvrîmes Terres de Rohan.
Et pour cette troisième édition, nous nous devions de faire le voyage pour découvrir cet univers singulier ou plutôt l’univers d’Eru Illuvatar , dans ce petit village de Bretagne, Rohan le bien nommé.

Temps de trajet depuis le Sud Ouest : 6h30 bien tapées, sans compter les arrêts, donc en fait un bon quarante cinq minutes de plus, les aires d’autoroute sont tellement grandes maintenant qu’on dirait des hameaux.
Et de toutes façons on s’en foutait car « Si le Rohan appelle, la Guyenne répondra !! »

Nous voilà donc partis l’esprit rêveur, vers une destination inconnue qui sur le papier l’était beaucoup moins, car quitte à s’évader , après le spectacle du Seigneur des anneaux et du Hobbit dans notre Comté, après le concert candlelight du Seigneur des anneaux à Bordeaux-lériand, autant sauter le pas et se retrouver directement sur Arda avec un certain engouement . Direction Terres de Rohan.

Le samedi matin, lever 3h00 , les yeux avaient envie de se lever, mais le rideau était fermé, difficile de voir quand les paupières sont lourdes. Peu importe, il fallait se préparer et une fois les sacs chargés, nous voilà partis l’esprit fringuant comme un poney.

Le trajet en voiture, c’est le meilleur, je le pense et avec Papa Ours on se le dit souvent pour aller aux concerts sur Toulouse.
Pourquoi ? Eh bien parce qu’on prend le temps de vivre, de discuter, d’écouter de la musique , de manger diverses gourmandises emportées justement pour le trajet. Puis on compte les kilomètres, on regarde les panneaux, on ne fait pas que de l’autoroute et ainsi on s’émerveille pour pas grand-chose en découvrant les paysages des autres régions. A ce sujet d’ailleurs, j’ai coutume de dire, que la plupart des gens veulent visiter d’autres pays, d’autres continents, alors qu’ils n’ont pas exploré tous les recoins de notre métropole, et encore moins ceux de leur propre région, voire même de leur département. Bref, découvrir, c’est le maître mot.

Après quelques heures sur le bitume, nous voilà donc arrivés vers 11h00, sur cette première journée du samedi. Il fait chaud, il fait beau, et rien que ceci est annonciateur d’un week-end réussi.
On arrive petit à petit , on s’approche et au fur et à mesure qu’on avance on prend en photo les panneaux qui montrent la direction de Rohan !!! Trop fier de les voir, de les photographier et d’en parler aux copains après . A l’entrée de ce petit village de Bretagne, la ville est aux couleurs du festival avec d’une part le logo Terres de Rohan « TDR » tellement bien inspiré de celui de J.R.R Tolkien, et d’autre part la bannière du Rohan. On y est. ON Y EST !!!

Juste le temps de trouver une place, car c’est l’ouverture. On se rend compte que ce festival est à taille humaine, par moments presque intimiste, un festival humble qui veut garder sa dimension pour faire venir des curieux, des amoureux, des âmes à la recherche d’authenticité, d’artisanat, de poésie, de rêves, de chaleur humaine (mais vu les températures, il valait mieux un peu de fraîcheur) de fantasy mais aussi et surtout des fans de Tolkien évidemment .

Tout se passe autour d’un lac, un merveilleux lac sur un site parfait où de l’autre côté du canal se trouve un camping et la salle polyvalente qui est là également pour recevoir les conférences et le concours de cosplay prévus le dimanche. En plus de ça, le village est collé au site, sans que nous ayons besoin de faire des kilomètres pour trouver une pharmacie, un bar tabac, des distributeurs de billets, enfin bref, tout pour la survie du citadin moyen. Un bien joli village qui donne envie d’y séjourner, ce n’est pas un trou paumé, et en tous les cas, même si c’est un trou, « ce n'est pas un trou déplaisant, sale et humide, rempli de bouts de vers et d'une atmosphère suintante, non plus qu'un trou sec, nu, sablonneux, sans rien pour s'asseoir ni sur quoi manger: c'est un trou de fans de hobbits, ce qui implique le confort. »

Une fois posés, on pénètre sur le site, où les statues de nains d’Erebor font office de sentinelle, car cette année c’était les Echos d’Erebor qui était le titre et la couleur du festival. Donc forcément tout était bien pensé. On arrive face à l’accueil où les bénévoles le sourire aux lèvres, nous souhaitent la bienvenue et nous remettent le bracelet de festivalier. Question qui nous turlupinait : Pourquoi un bracelet numéroté car le festival est gratuit ? Oui, vous avez bien lu, il est gratuit, sauf ce que vous voulez acheter aux artisans bien évidemment, mais vous ne payez pas l’entrée et ça par les temps qui courent, ça vaut de l’or, ça tombe bien on est en Erebor !

Le temps de récupérer le plan, de photographier les horaires pour ne rien rater des festivités, on se hâte d’aller se renseigner car Mme Barbare la reine des surprises, avait réservé la belle affiche de cette année, celle avec le dragon, l’affiche d’Art 2026 “Palantír, Triskel & Dragon” un tirage limité à 50 exemplaires, numéroté et signé par l’artiste Rohanne et comme ils le marquent eux-mêmes « Une véritable pièce de collection ».

Quand je vous parle de ne rien rater, il y avait une particularité, on voulait rencontrer Arnaud Hosse, et pour ceux qui ne le connaissent pas, c’est un artiste passionné d’histoire médiévale et relieur d’art de métier. Son travail est époustouflant, sur beaucoup de thématiques des mondes merveilleux, sans oublier celui de Tolkien. Et pour ce qui nous concerne ici, vous pouvez aller voir sur ses sites, les réalisations de cartes de la Terre du Milieu, du Rohan, du Mordor, ou encore le contrat de Bilbo, le livre de Bilbo, vierge, ou écrit dans son entièreté avec une calligraphie irréprochable qu’elle soit en anglais ou en français. Oui, c’était vital de rencontrer cet artiste.

Bref, en tous les cas nous voilà à l’intérieur. Et c’est assez marrant car le fil d’Ariane, ce fil conducteur sera au cours du week-end de partir à le recherche des responsables pour récupérer l’affiche tant convoitée. Et ce ne fut pas une mince affaire. Croyez-moi !

La matinée, s’est plutôt bien passée, car nous voulions faire un premier tour de reconnaissance, mais malheureusement dès les premiers artisans, la malédiction de Thror nous a rattrapé et la folie impulsive a montré le bout de son nez.

Nous voilà partis d’abord à tenter de récupérer l’affiche du festival, mais tout n’était pas encore au point, et un peu comme Astérix chez les Helvètes on est allé de stand en stand pour savoir qui savait quoi mais en vain. Ensuite on a erré, déambulé, acheté de stand en stand que ce soit les fabuleuses broderies de Gaelle fait des bulles , ou encore ce merveilleux hypocras du Breuvage des druides . Tellement de belles choses qu’il fallait déjà faire des allers retours à la voiture pour commencer à entreposer les trésors, à la recherche de l’Arkenstone. Mais notre Arkenstone nous l’avons trouvé rapidement. Ô combien heureux de rencontrer Sire Arnaud Hosse et son stand à discuter avec lui sur sa manière de travailler et à contempler ses œuvres mises en avant. Il n’a pas fallu beaucoup de temps pour que la brillance d’un livre de Bilbo réalisé par l’artiste fut entre nos mains de profanes. Et c’est avec une ténacité de Gollum et de son précieux que nous avons baladé le livre avec nous une bonne partie de la matinée avant de le ranger avec aussi les bouteilles de cidre de l’âme du cidre (non sans avoir goûté quelques poirés) pour profiter de cette première journée.

Trois ou quatre tours au Poney Fringuant la buvette ultra riche en boissons divines, mise en avant par l’orga pour nous proposer de merveilleuses IPA, du cidre enchanteur et quelques autres diableries comme le pain marqué de la marque de Terres de Rohan. Et vu la chaleur qu’il faisait, même avec chapeau et crème solaire, il fallait s’hydrater convenablement d’où les multiples allers-retours au stand pour recharger les verres que nous avons bien sûr conservés en partant !

Et comme un bonheur ne vient jamais seul, évidemment que l’emplacement de cette énorme buvette à côté de tous les food-trucks de qualité hors du commun aux ingrédients du terroir était adroitement pensé pour que nous puissions nous sustenter à de multiples reprises , plus que de raison d’ailleurs, car là en fait on se sentait plus comme des hobbits en demande de leurs multiples repas. Et c’était sans compter sur ce petit glacier italien artisanal « Les glaces de Rom » avec ses glaces italiennes, d’une gentillesse infinie et pour lequel la file d’attente faisait plus de vingt mètres en plein cagnard.

Bon manger, ripailler, célébrer le festival et s’hydrater c’est une chose. Mais cela valait le coup de faire plusieurs tours de tous les artisans pour être sûr de ne rien manquer, pour être de certain de dénicher le petit truc rare ou pas d’ailleurs, mais qui fait plaisir à posséder, à contempler des heures durant comme un précieux au pouvoir charmant.

La bière EREBOR  et la HARADRIM de la microbrasserie Horla - La ROHAN et la MORDOR de la microbrasserie l'Esk'Ale - La FANGORN et la LORIEN de Beltane

En tous les cas, dans un sens tout comme dans l’autre, nous avons fait le tour du lac plus que de raison, à discuter avec les festivaliers, à partager la bonne humeur sous ce soleil radieux, à profiter visuellement de toutes les personnes déguisées, de tous ces fans de cosplay qui déambulaient dans les allées en se laissant photographier au gré des passants. C’était une frabieuse journée aurait-on dit au pays des merveilles. Nous étions en effet au pays des merveilles, mais pas dans celui de Lewis Caroll, car vous le savez bien, c’est dans celui du grand Tolkien.

La journée se déroulait parfaitement bien dans le royaume. Nous sommes allés à l’hôtel qui était à environ 16 kilomètres du festival , un hôtel « Le relais de l’Oust » tellement bien situé à côté du canal, au calme où les grenouilles le soir remplaçaient le gazouillis des oiseaux la matinée, avec des hôtes responsables et d’un professionnalisme hors pair ainsi que d’une gentillesse et serviabilité hors du commun, qui font le bonheur de tous les clients.

Après une mini sieste post « il fait vraiment trop chaud », nous sommes repartis frais comme des gardons qui remontent le courant. Mais le temps de revenir, forcément on a ressenti la chaleur, donc forcément le poney fringuant nous ouvrait grand les bras. Re-belote, tour des artisans, petits achats de chose belles et pas forcément utiles, mais qui font tellement plaisir à l’âme, à boire, à manger, à boire, à manger, à boire et encore à manger.

Est enfin arrivée la fin de l’après midi, le début de la soirée, quand fut venu le temps du concert. Avec tout d’abord un set d’une poésie folk et onirique et d’une mélancolie incroyable où Laurene Telennaria harpiste chanteuse à la voix enjôleuse faisait office de guest pour débuter la soirée. A partir de ce moment, le temps s’est arrêté, les titres chantés, les moments de harpe se mariaient à merveille au fur et à mesure que le soleil descendait de son trône si élevé pour que le jour puisse décroître et faire place à un crépuscule enivrant . Cet instant était réellement hors du temps, car lorsque la magie opère, avec le lieu , la musique et l’instant, rien n’a plus d’importance que ce moment présent.
Un début de soirée incroyable dans un festival intimiste incroyable. Mais nous n’étions pas au bout de nos surprises car ce qui suivait allait être une réelle surprise pour une réelle découverte.

En effet Laurene est la chanteuse du groupe ORKHYS, mais ne vous fourvoyez pas, car ce n’est pas au bon lait de brebis. Bien inspiré par la harpe qui était là encore bien présente, ORKHYS dont le nom m’était totalement inconnu se présentait à nous . Bien sûr que nous n’étions pas en Terres brutales avec du black norvégien ou suédois, ni non plus du brutal death américain. Il fallait être en harmonie totale avec l’ambiance, l’atmosphère du festival, et ORKHYS bien que le groupe soit baigné dans la musique heavy metal, ne pouvait mieux tomber. Alors au départ on ressent rapidement quelques influences heavy power avec beaucoup d’incursions dans des mouvances plus extrêmes bien que mélodiques, mais ce n’est qu’une impression de départ, car au fur et à mesure que les titres se jouent devant un public émerveillé devant les solos et les harmonies, qu’elle fussent à la harpe où aux guitares magiques, presque blackened death mélo en plusieurs endroits, le public se ralliait à la cause. A y écouter on découvre une influence palpable, celle des finlandais d’Amorphis, notamment sur « Draugar » où l’on sent l’esprit des nordiques sur l’intégralité du titre.

Mais ce n’est pas le seul. De plus la harpe offre également à la musique de ORKHYS cette singularité particulière appuyée par une vocaliste talentueuse qui sait aller du lyrique au guttural avec une aisance flagrante. Excellente prestation d’un groupe qui m’était inconnu avec une bassiste qui a appris tout le set en peu de temps pour venir en aide au groupe, en remplacement , une prestation mêlant musique folk tantôt celtique (où l’on redécouvre en français le roman de Tristan et Yseult) et musique metal où la double pédale fait rage, puisque utilement exploitée à son extrême. Les guitares sont enivrantes et le public est conquis jusqu’à tenter de retrouver un extrait de Judas Priest pour le fun. ORKHYS était le groupe parfait pour ce festival parfait avec un morceau phare « Guardians » qui a enchanté la plèbe jusqu’au confins de la Comté. A cela rajoutons et précisons que la musique d’attente pré-concert était le « Rust in peace » de Megadeth sorti en 1990 on ne pouvait faire mieux.

Mais si le concert était divin, il n’était rien à côté de ce qui allait arriver.

En effet , alors qu’ils avaient répété toute la journée, alors qu’ils avaient préparé ce décor fabuleux avec amour et passion, nous, nous n’étions pas prêts pour ça. Non nous n’étions pas prêts pour assister à une telle veillée au clair de lune, au milieu d’un ciel étoilé, avec juste une légère brise pour nous montrer que la chaleur était un peu tombée. C’était l’heure de Mythes et légendes de la Terre du milieu, ce conte musical basé sur "Le Silmarillion" de J.R.R. Tolkien.

Parce que sur la musique d’Howard Shore, en direct, ces anciens élèves de musicologie ont expliqué le Silmarillion à qui voulait bien rester et à voir la foule qui écoutait , qui souriait de bonheur avec ces décors impressionnants aux effets spéciaux parfois dysfonctionnels, cette troupe nous a emmené littéralement en plein coeur de la Terre du Milieu à vivre tous ses âges au rythme de l’Ainulindalë , à frissonner sur la noirceur de Melkor devenu Morgoth pour mieux comprendre pourquoi Frodon doit partir…

Et d’une manière studieuse mais surtout émerveillée , sur des musiques ensorceleuses et une rhétorique implacable, Mythes et Légendes de la Terre du Milieu nous ont fait vivre une grande et belle histoire pour clore cette première journée, qui fut riche en émerveillement.

Ainsi se terminait ce samedi soir sur la Terre, de la plus belle des manières…

Accélération, rentrer à l’hôtel, se rappeler du code du portail, ouvrir la porte, ascenseur !!!!!

Oui, deux étages qui paraissaient comme la plus grande tour de Dubaï , mais la seule chose qui ressemblait à Dubaï, c’est cette rime en aïe qui nous rappelait que nos jambes ne pouvaient plus nous porter. Alors la douche pré nocturne, et c’est parti pour une nuit à rêver des plus beaux passages de la journée. Et quand au petit matin le dimanche , les oiseaux y allait bon train, la fraîcheur était là. (Oui, là tu l’entends la musique de la Comté, ta da daaaaaaa ta da daaaaaa daaaaaa...) Il fallait donc en profiter et prendre un petit déjeuner gargantuesque, là encore d’une qualité rare, sans parler de ce café allongé d’un dosage chirurgical quand à son goût corsé et à son épaisseur. Encore merci à la patronne.

Une fois l’estomac sécurisé, et quelques mises au point de démarrage, où l’amour est plus fort que tout, nous partîmes confiants , et sans aucun effort, nous nous vîmes en famille en arrivant à bon port.

Treize heure, l’heure du concours de Cosplay, le moment tellement attendu que la file d’attente faisait le tour de la salle Belle Etoile, sous ce soleil de plomb. Les déambulations du conteur de rue, qui nous distrayait là aussi par d’exquises paroles aux jeux de mots colorés, nous occupaient tandis que la file avançait. Mais ce n’est que presque arrivés devant les portes de la Moria que nous aurions pu assister en direct à ce grand concours. Le sort en a voulu autrement, trop de monde et pas assez de place. Ceci dit vu la chaleur étouffante qui semblait s’échapper de la salle comme de la bouche des enfers, il est fort probable que c’était pour mieux assister à la sortie des gagnants et des postulants à la fin du concours, où de magnifiques photos ont pu être prises. La réussite serait surtout celle volée du Gollum plutôt charnu qui avait dû avaler quelques bon vieux poissons crus. Diantre, même vu de l’extérieur ce concours de cosplay était excellent, surtout que nous avons pu approcher le vrai Gandalf de près !!

Une seconde journée de bonheur, à profiter des promenades de la 9ème compagnie  des Rôdeurs du Gondor " Galadhrim Dagnir", ainsi que de la musique de Chansons et Dragons qui avaient cette légèreté musicale, envoûtant un public en pâmoison au gré de leurs déambulations.

La journée fut plus douce et plus reposante, parce que ne l’oublions pas, nous avions le must du matériel du festivalier, en plus de pouvoir s’hydrater convenablement, nous avions nos chaises pliantes porte-gobelets !!!! On pouvait s’installer tous les trois mètres, pour juste se poser et profiter. Profiter même au point que certains festivaliers nous demandaient de garder leurs effets pour aller se chercher une glace italienne au seul et unique mais non moins légendaire glacier.

Il nous fallait ramener encore quelques souvenirs, mais ici pour se sustenter, c’est pour cela que ma douce bien aimée est allée nous chercher ce pain traditionnel aux couleurs du festival conçu non pas par Bill le bottier, mais par Christian le Pottier ! Pour casser la croûte il n’y avait rien de mieux !
L’ombre des arbres était salvatrice et tout le monde profitait. Ce soir du dimanche, avant la veillée, la soirée s’annonçait toujours celte mais déjà plus animée avec un set de DJ celtes.

Mais croyez-le ou nous, nous étions déjà bien crevés pour cette deuxième journée et le lundi verrait quoiqu’il arrive notre départ programmé, puisque c’était réservé à notre jour de retour. Avant toute chose, il nous fallait récupérer un miroir digne de la belle Foncombe, bien que ce matériau de récupération mis en valeur par L’établi des Myosotis n’avait pas son origine dans la demeure d’ Elrond, ce miroir nous comblait de bonheur pour compléter notre déco sortie de la Terre du Milieu.

On flânait, c’est ainsi que nous avons pu converser à plusieurs reprises avec une des quatre organisatrices du festival, Isabelle qui nous disait que dans l’asso à l’origine elles sont quatre et que si une trouve qu’un artisan est chou, c’est validé !

Nous discutions aussi de cette belle solidarité locale, avec un village aux bannières du festival où tout le monde joue le jeu, mais aussi la proximité du camping juste de l’autre côté du canal collé au site. D’année en année le festival s’améliore, mais conserve une dimension humaine, car il y a un nombre de places limitées sur le site qui ne peut être dépassé. Cela montre encore plus cet environnement familial et un festival géré d’une main de maître par des personnes avenantes et bienveillantes autant que bien entourées. Bien entourées oui, parce que tous les bénévoles étaient généreux, extrêmement adorables avec tout le monde , à l’écoute totale de leurs hôtes.

Au cours de la conversation, nous avons appris une petite nouvelle qui a encore aiguisé notre curiosité, car dans le village juste à côté à CREDIN, comme tout le monde se soutient, il y a une petite brasserie tabac qui se nomme : Le dragon vert.

Vous vous doutez bien qu’il fallait y passer obligatoirement.

Le lundi jour de départ, nous partîmes donc vers la route qui mène à la « Chocolatinerie » (parce que nous sommes Charline), notre Sud-Ouest adoré. Donc en partant alors que les corbeaux volaient dans un ciel bleuté, et que nous écoutions the Misty mountain cold, nous empruntions le chemin vers un village inconnu, un de ces plus beaux villages de France qu’il nous fallait traverser. Mais au préalable, c’est ce dragon vert qui nous hantait, alors arrêt obligatoire à CREDIN. Eeeeeeeeeh oui, nous l’avons vu, il était fermé, mais nous l’avons photographié, parce que l’ambiance était encore là. Ce fameux bar tabac nommé le dragon vert avec ce petit dragon et la pancarte en arête de mur, c’était chou. Normal que les gardiennes du festival l’avait adopté !

Chemin faisant, notre étape arrivait sur notre route, dans ce magnifique Morbihan : Rochefort en Terre, un des plus beaux villages de France. Comme nous sommes dans la collectionnite aiguë, nous collectionnons aussi les visites des plus beaux villages de France. En se garant sur le parking réservé aux touristes à l’entrée du village, on s’était dit qu’il n’avait pas l’air d’être aussi beau que ceux qu’on avait pu voir dans l’Aveyron, la Dordogne, le Lot-et-Garonne ou encore dans le Var.
Mais nous étions en train de nous fourvoyer totalement, ce village est impressionnant de beauté, impressionnant d’histoire, impressionnant d’artistes et possède le plus beau musée fantastique du monde, où se côtoient des artistes du fantastique et de l’imaginaire dans des conditions extraordinaires. Mais comment n’avions-nous jamais su qu’il existait !?

Alors tout d’abord découverte, déambulation dans les ruelles aux demeures d’antan, cette vieille pierre qui nous plaît tant. Et au fur et à mesure des boutiques d’artistes, nous sommes arrivés dans une première échoppe de l’enfer : Chouchen, pain d’épices et liqueur de pain d’épices, allez hop youpla boum , emballé c’est pesé, encore deux trois bouteilles dans la besace. Puis un coup d’oeil rapide sur une crêperie ce Café Breton , un magnifique bistrot ouvert depuis 1818 nous appelle pour déjeuner, mais nous n’avions pas encore découvert tous les secrets de ces ruelles qui proposent de la poésie et un véritable décor hors du temps.
On monte, on monte, et on monte encore, « montons, montons les escaliers » pour découvrir un château sublime devenu la propriété de la commune où les jardins donnent envie de s’enivrer du vent, des quelques oiseaux chantants et de cette paix qui sortait des pierres pour mieux encore nous laisser en état de béatitude complète.

Et c’est à ce moment là, s’égarant dans les jardins, que nous avons aperçu les portes de l’enfer. Celles de Hellraiser, ce musée incroyable ; le Naia Museum Galerie d’art de l’imaginaire. Un musée unique en son genre dans le château proposant des œuvres originales fabuleuses telles que des sculptures, des peintures , des œuvres digitales, cinétiques, des photographies, des vidéos, de la musique….C’était époustouflant pour qui aime cet univers, et on n’en sort pas indemne. C’est un musée privé où les idées de Manu Van H et Patrice « Pit » Hubert se réinventent chaque année , un musée qu’il ne vous faut pas manquer car il est véritablement unique.
https://www.naiamuseum.com/musee

Et après tant d’émotions, nous avons continué, découvert une somptueuse boutique de spiritueux, des whiskies de Bretagne connus et moins connus à la tourbe pertinente qui ne veut pas partir du palais en finale, pour mieux se laisser savourer. Vous pensez bien qu’il nous fallait encore partir avec de belles reliques. On pourrait disserter pendant des heures, mais Rochefort En Terre mérite son statut de plus beau village de France, son église, son lavoir, ses ruelles d’époque, son magasin de t-shirt et d’accessoires de hard’n’heavy (oui, on a pris une mini batterie de Iron Maiden et une mini guitare de Kerry King, nous sommes faibles), ses figurines de fées dans toutes les boutiques, pour enfin terminer dans ce Café breton à déguster de savoureuses crêpes qui nous mettaient les papilles en ébullition.
Le décor était là, l’ambiance et l’atmosphère furent tellement divines, qu’en dire plus serait gâcher. Il vous faut découvrir ce village, errer dans ses ruelles et déguster sa gastronomie locale...Rochefort en Terre restera aussi dans nos coeurs, et encore plus depuis que nous avons appris qu’un festival du fantastique avait lieu régulièrement…

Mais tout à une fin, après avoir ripaillé comme des guedins et profité de cette vie si précieuse, il nous fallait alors rentrer au bercail, pour compter les trésors amassés en un week-end, et les contempler comme...Gollum….Gollum….Arrrrgh. « Je l’ai trouvé , je l’ai fait, un chemin à travers les marais. Les orques ne l’utilisent pas. Les orques ne le connaissent pas. Ils tournent sur des kilomètres et des kilomètres ». Partez visiter ce festival en Terres de Rohan, « venez hobbits doux et rapides comme des ombres, nous devons être », partez-y un week-end et égarez vous à Rochefort en Terre. Partagez et profitez car comme le disait Gandalf : « ce sont les petites choses, les gestes quotidiens des gens ordinaires qui nous préservent du mal…. »



Arch Gros Barbare

05/06/2026

Liens :

TERRES DE ROHAN

Programme de la semaine :

Lundi 1^er juin :

• 14h30 - 16h30 (Sainte-Foy-la-Grande, Salle Clarisse Brian-Reclus) : « La Tribune des Cheveux Blancs ». Un espace d'échange libre sur la retraite et l'importance du lien social. Avec la présence de stands de nos partenaires. Entrée libre et gratuite.
• 14h - 17h (Salle Clarisse Brian-Reclus, Sainte-Foy-la-Grande) : présence du Truck SOLIHA. Conseils personnalisés pour l'adaptation du logement.

Mardi 2 juin :

• 18h00 (Cinéma La Brèche, Sainte-Foy-la-Grande) : projection du film « Esprits libres », suivie d'un débat proposé et d’une séance de dédicaces d’un auteur local pour la sortie de son ouvrage «À la recherche du temps perdu GAGNÉ», par le Centre socioculturel. Infos : 06 25 14 53 90 / centre-socioculturel@cscfoyen.fr

Mercredi 3 juin :

• 09h00 - 10h30 (Salle Michelet, Pineuilh) : initiation au sport adapté. Gratuit.
• 11h00 - 12h30 (Salle des fêtes, Les-Lèves-et-Thoumeyragues) : initiation au sport adapté. Gratuit.
  Animations proposées par le Centre socioculturel. Infos : 06 25 14 53 90 / centre-socioculturel@cscfoyen.fr

Jeudi 4 juin :

• 14h30 - 16h00 (Salle de rencontre et d’échange culturel, Massugas) : loto-spectacle « Faites carton plein pour votre santé » par l’ASEPT Gironde. Réservation obligatoire : 05 57 99 79 39 / www.asept-gironde.fr

Vendredi 5 juin :

• 14h - 17h (Place du 8 mai 1945, Pellegrue) : Journée séniors et bien chez soi organisé par la commune de Pellegrue.  Présence du Truck SOLIHA pour vous conseiller sur l'aménagement de votre domicile, sur RDV : 05 57 69 88 89 / habitat@paysfoyen.fr
• 14h30 - 16h00 (Ludothèque R’de’Jeu, 16 rue Marceau à Sainte-Foy-la-Grande) : atelier jeux pour les seniors. Organisé par la Ludothèque R’de’Jeu du Centre socioculturel. Infos : 05 24 24 23 92
• 14h30 - 16h30 (MARPA, 214 Allée de la Tuquette à Margueron) : portes ouvertes pour un après-midi de partage et de convivialité. Infos : 05 57 49 42 51

Samedi 6 juin :

• 14h30 - 18h00 (Jardin Public, Sainte-Foy-la-Grande) : un événement intergénérationnel « Enfance et Jeunesse en fête » pour clore la semaine.

Pour toute question concernant les dispositifs dédiés aux seniors, contactez le point INFO SENIOR FOYEN :  07 64 86 83 48.

Si vous rencontrez des difficultés pour vous déplacer, un transport en minibus est possible sur demande au 05 57 46 20 58.

Réservations Mairie de Pellegrue au 05 56 61 30 21.

GROUPE: CRIMSON GLORY

TITRE ALBUM: Chasing the hydra

LABEL: Bravewords Records

DATE DE SORTIE: 2026

La mort de Midnight en 2009 avait porté un sacré coup aux fans du monde entier, parce qu’il était LA voix de CRIMSON GLORY . Et ceux qui ont vécu les sorties à l’époque de « Crimson Glory » et « Transcendance » en 1986 et 1988, connaissent la grandeur mélodique technique et vocale de ce grand groupe de Floride ; parce que CRIMSON GLORY représente pour les années 80’s un des meilleurs groupes de heavy metal presque progressif dont la marque de composition, les envolées lyriques et encore une fois la voix tellement aigue et puissante du Sieur Midnight, sont légendaires. On n’aura de cesse de clamer haut et fort les refrains de « Valhalla », « Dragon lady », « Lady of winter » ou encore l’inoubliable « Painted Skies » que Midnight avait aussi repris en acoustique au piano avec Jon Oliva.
A l’époque, malheureusement la carrière de Queensryche leur a fait de l’ombre alors que pourtant ce groupe aurait mérité une renommée interplanétaire. La pochette de « Transcendence » est d’anthologie, les masques sont un repère que personne n’oubliera au fur et à mesure des années. Après ces deux albums, il fût difficile de faire mieux, c’est peut-être pour cela que « Strange and beautiful », plus commercial, plus accessible, a moins plu alors que pourtant il possède quelques très bonnes chansons dont la balade « Song for angels » et l’exotique « Promised land ».

On aurait pu croire que le départ de Midnight après la sortie de « Strange & beautiful » aurait fait sonner le glas pour CRIMSON GLORY, raison pour laquelle il aura fallu attendre huit ans pour écouter « Astronomica » avec Wade Black au chant . Mais que nenni, cependant c’est un album en demi-teinte qui est né de nulle part, un album qui pourtant lui aussi possède une forte personnalité, la personnalité de CRIMSON GLORY que l’on entend bien sur le premier titre « War of the worlds » ou encore sur « New world machine » et « Astronomica ». Mais l’âme de CRIMSON GLORY pure était en partance pour le firmament vu que Midnight n’était plus là, et malgré les beaux efforts de Wade Black, la magie s’estompait quelque peu, donnant alors encore plus de valeur, de beauté, de mérite aux deux premiers albums à tout jamais.

Il aura fallu attendre vingt sept longues années, alors qu’en fait on croyait le groupe fini, pour que CRIMSON GLORY refasse surface et renaisse de ses cendres avec ce nouvel album « Chasing the hydra ».

Un nouveau chanteur dans la musette en la personne de Travis Wills ( Infidel Rising – Valorheart) qui fait plus que le taff, car sa tessiture est très proche de celle de Midnight et réussit l’exploit de raviver une flamme éteinte de plusieurs années pour vous bluffer par des montées aïgues surprenantes qui prennent la noblesse d’un Midnight sans l’ombre d’un doute.

Reste alors à reconstruire la patte légendaire des riffs mélodiques de CRIMSON GLORY pour adorer un groupe fabuleux au charisme singulier et unique.

Voici donc un album de neuf titres , presque cinquante minutes, qui demande plusieurs écoutes, pour s’apercevoir que c’est la continuité de « Transcendence » avec aussi le côté plus brut qu’il y avait sur  « Crimson Glory ».
Oui, on ne s’en aperçoit pas sur les premières écoutes, et on est tellement focalisé sur les mélodies nostalgiques de « Transcendence », qu’on risque de passer à côté de l’essence profonde de ce « Chasing the hydra » et de s’auto-décevoir. Et donc après plusieurs écoutes on s’aperçoit que le titre « Chasing the hydra » reprend les riffs d’un « Dragon Lady » ou d’un « Red sharks » signature indélébile du groupe qui ravira tout un chacun. Et là on sait que le groupe est revenu. Hormis Jon Drenning qui était bien évidemment une des composantes principales du groupe, remplacé ici par Mark Borgmeyer au lead (ce qui explique la fluidité moins flagrante des mélodies de Drenning), CRIMSON GLORY n’a rien perdu de sa superbe.

Plus brut, plus sombre peut-être, ce nouvel album scintille malgré tout par la chaleur qu’il dégage et une fois de plus Travis Willis demeure un formidable vocaliste qui remplace haut la main les capacités légendaires d’un Midnight qui restera dans nos coeurs à tout jamais.
L’album est chaud donc, et le combo Borgmeyer/Jackson n’en oublie pas de se répondre constamment , notamment sur la sublime « Broken together » qui vous emporte loin dans les galaxies, avec ses incursions dans des fresques hispaniques . La voix de Willis est irréprochable et les guitares jaillissent de nulle part, , montrant que CRIMSON GLORY est bel et bien revenu.
Intensité, mélodie, beauté implacable, ce « Chasing the hydra » tient ses promesses. Parce que le tempo ralentit intelligemment avec « Angel in my nightmare », pour s’obscurcir dans des nébuleuses envoûtantes et à s’y méprendre on se croirait sur un pont qui relie les deux premiers albums.
La poésie de « Angel my nightmare » vous téléporte quelques années en arrière , l’espace de six minutes quarante trois, et montre que ce retour n’était pas juste pour surfer sur la nostalgie. Au contraire CRIMSON GLORY s’est fendu d’une écriture sûre et ferme, d’une composition propre et inspirée pour réaliser ce nouvel album où l’émotion est à son paroxysme.

« Indelible ashes » passe comme un lettre à la poste, se cachant dans le paysage parmi les titres, sans décevoir, mais sans non plus vous faire tomber en pâmoison, avec sa consœur « Beyond the unknown » également qui se laisse écouter sans vraiment marquer les esprits. C’est en fait le côté primaire et plus «roots » de « Armor Against fate » qui se fait remarquer parce que le groupe s’engouffre de nouveau dans le lyrique autant sur la voix que les riffs pointus qui maintiennent à la perfection le morceau au dessus de la surface pour donner de l’air à l’album et l’envoyer avec sa facette plus stellaire , de l’autre côté de l’univers.
Presque arrivé à la fin de l’album avec « Pearls of dust » prend un envol similaire au titre « Transcendance » qu’il y avait sur l’album du même nom, CRIMSON GLORY tente d’impressionner par la grandeur dans l’espace infini avec des riffs dynamiques mais composés de gigantesques passages stellaires encore une fois.

Enfin le bal se ferme avec « Triskaideka » le nombre 13 en grec ancien , single qui était sortie deux ans auparavant pour annoncer la sortie de ce nouvel album deux ans plus tard. Un titre profond assez noir qui montre la grandeur mélodique de ce groupe.

CRIMSON GLORY est revenu, même si c’est le dernier, il est là. Il est bon, il est même très bon, et fait du bien à l’âme. « Chasing the hydra » est une nouvelle pierre dans la discographie d’un groupe sans égal qui vous fera voyager jusqu’aux confins de l’univers.

Arch Gros Barbare

14/05/2026

La bonne humeur, la brutalité, le death metal et le talent. Voici les composantes qui faisaient Can Of Worms et voici les composantes qui font DEATH FROM ABOVE. Le deuxième album « Reckoning of the damned » est sorti des fourneaux il y a peu, chez Great Dane Records, et vous devriez vous réchauffer avec parce qu’il est brûlant comme l’enfer. Alors quoi de plus normal que d’aller chercher la phrase chez notre ami Manu, guitariste hurleur, (un être humain extraordinairement gentil et adorable) pour présenter ce nouvel album...

Salut à toi, enfin te voici sous mes questions à te faire disséquer. Alors petit récap viteuf, après Can of Worms comment vous vous êtes retrouvés à créer Death From Above à trois avec Anthony de Red Dead ? Pourquoi ne pas avoir continué sous le nom de Can Of Worms ? Parce que la direction musicale avait changé ou elle était comme ça depuis le début de Can Of Worms mais vous vous étiez retenus d’être encore plus brutaux ?

Salut beau gosse, je suis prêt pour l'autopsie ! Pour le petit historique, nous avons clôturé la grande aventure de Can of Worms peu de temps après notre retour de la tournée au Japon en 2018. On a arrêté au point culminant de notre “carrière musicale” avec Can of Worms, et il y avait énormément de choses qui bougeaient dans nos vies à ce moment-là : future paternité, taf, directions musicales différentes, relations entre membres… bref la vraie vie qui te rattrape avec une chaise en acier dans le dos.
Musicalement, ça faisait déjà plusieurs mois qu’on avait envie de basculer vers quelque chose de beaucoup plus frontal. En 2018, on avait déjà commencé à composer des morceaux dans une optique presque 100% death metal, avec une approche ultra 90’s, sans compromis, sans calcul et surtout sans retenue. On ne s’était pas “retenus” avec Can of Worms, mais disons qu’avec Death from Above on a complètement ouvert les vannes. Plus de filtres, plus de demi-mesure, juste la violence et le plaisir de jouer la musique qu’on aime profondément depuis qu’on est gamins.
J’ai donc remonté une escouade de mercenaires début 2019 avec Pat et Julien après la dissolution de Can of Worms, puis Antho de Red Dead nous a rejoints naturellement. On se connaît depuis longtemps, on partage exactement les mêmes obsessions pour le death et le thrash old school, les mêmes références, les mêmes envies de chaos sonore. Death from Above est né comme ça, très naturellement, avec cette volonté de faire un death metal brutal, sauvage, honnête et sans compromis.

La direction musicale dont je viens de parler est-ce que c’est celle que tu as toujours eu envie de suivre, parce que pourtant on t’as vu jouer dans Scorn, ça veut dire que le thrash reste tout de même une de tes premières amours non ?

Tu me connais bien mon poto, le Thrash sera et restera toujours un élément essentiel de ma construction musicale personnelle. J’ai clairement grandi dans un univers Death / Grind, j’ai bouffé ça matin midi soir pendant des années, mais le Thrash aura toujours ce côté corrosif, agressif et ultra dynamique qui me colle à la peau. C’est une musique qui transpire la rage et l’énergie pure, et ça m’a toujours parlé instinctivement.
J’ai passé de super moments dans Scorn au poste de chanteur/frontman et je salue bien fort mes collègues de toujours au passage. Cette période m’a énormément apporté humainement et musicalement. Ça m’a aussi permis d’assumer encore plus ce mélange entre violence death et efficacité thrash.
Le Thrash fera donc toujours partie de moi, et de tous les membres de Death from Above d’ailleurs. C’est aussi pour ça que beaucoup de nos morceaux vont très vite, que les riffs ont ce côté nerveux et tranchant, et que la batterie balance parfois des plans qui sentent presque le crossover entre deux avalanches de blast. Même quand on joue du death ultra brutal, le Thrash n’est jamais très loin dans notre ADN.

Ce death metal de DEATH FROM ABOVE au milieu de cette brutalité quand on écoute votre deuxième album, et ton chant diabolique et les riffs et cette espèce de bonne humeur à l’intérieur, parfois ça me rappelle les vieux Deicide, cette sauvagerie non calculée des années 90’s. Quelles étaient tes inspirations, vos inspirations, parce que DEATH FROM ABOVE speede autant qu’il est brutal parallèlement à cette clarté dans la brutalité ?

Étant un gamin des années 80, j’ai eu la chance de grandir et de me construire avec des groupes comme Cannibal Corpse, Deicide, Suffocation, Dying Fetus, Death et tellement d’autres. Je vais pas tous te les sortir sinon on y est encore demain matin, mais j’ai littéralement bouffé du gras jour et nuit pendant des décennies et je n’ai jamais arrêté.
Ce qui m’a toujours marqué en voyant tous ces groupes sur scène, surtout les groupes ricains des années 90’s, c’était ce côté totalement animal et incontrôlable. Les mecs jouaient comme si leur vie en dépendait. Il y avait cette violence physique, cette intensité, cette sueur, ce sentiment que tout pouvait exploser à chaque seconde. Pas de posture, pas de calcul, juste des types qui vidaient leurs tripes sur scène. Et ça, ça m’a profondément marqué.
Je suis heureux d’avoir vécu cette époque de plein fouet parce qu’elle a clairement façonné l’homme que je suis devenu aujourd’hui, mais aussi le musicien. Chez Death from Above, on assume totalement cette influence 90’s. Mais ce n’est pas du cosplay ou du copier-coller. Ce sont nos racines naturelles. C’est ce qu’on aime profondément et ce qu’on a toujours écouté. Donc forcément ça ressort dans notre musique sans qu’on ait besoin de forcer le trait ou de brandir des pancartes “old school death metal”.
Et puis merci pour ta remarque mon pote, parce que si des gens ressentent cette sauvagerie spontanée et ce côté “vivant” dans notre musique, alors c’est qu’on fait les choses correctement.

Vous n’avez jamais lâché Great Dane Records pour toutes vos sorties, c’est une histoire d’amitié aujourd’hui ou une grosse flemme d’aller voir ailleurs tant que Raph vous supporte ? Sérieusement, je sais que tu vas dire de la merde avant…

C’est clairement un choix de ma part de continuer avec Raph depuis toutes ces années, et mes acolytes partagent totalement cette vision. À l’époque de Can of Worms, quand je cherchais un label pour sortir notre premier album, j’avais repéré Great Dane Records parce qu’ils avaient No Return dans leur roster. Et franchement, sur la période “Self Mutilation”, j’étais totalement fan de ce groupe.
Dans ma tête, un label qui bossait avec un groupe de ce niveau-là, c’était inaccessible pour des gars de la campagne comme nous. Je me disais qu’on allait se prendre un énorme stop ou même pas avoir de réponse. Et finalement Raph a été hyper accueillant, hyper réceptif, super humain dès le départ. À partir de là, on ne s’est plus jamais lâchés.
Le fait d’avoir une opportunité comme ça sur notre route, ça m’a complètement retourné le cerveau dans le bon sens. Ça m’a fait comprendre qu’au final rien n’était inaccessible si tu bosses sérieusement et que tu crois vraiment à ce que tu fais. Quelques années plus tard on avait tourné en Europe de l’Est, deux fois au Japon, sorti des albums à la pelle et joué avec des groupes énormes.
Donc oui aujourd’hui il y a largement plus qu’une relation label/groupe. Il y a une vraie histoire humaine derrière tout ça. Merci Raph si tu lis cette interview, parce que t’as clairement participé à changer notre parcours et une partie de notre vie musicale. Et ça on ne l’oubliera jamais.

Question qui n’a rien à voir, est-ce que t’es amoureux de moi ? Parce que dès que tu vois un bridé tu penses à moi ? As-tu été consulté pour ça ou pas ?

T’es mon idole mec. Y en a qui vivent pour Michael Jackson, d’autres pour Elvis, moi je vis pour Gros Barbare. Même compliment que pour Raph d’ailleurs : toi aussi t’as participé à rendre l’impossible possible pour plein de monde autour de toi, et je te remercierai jamais assez pour ça. Et papa Ours aussi évidemment.
Et puis faut quand même reconnaître que traîner avec Dave Suzuki c’est la classe absolue hein. Ça donne tout de suite un bonus de street credibility dans le milieu du gras.
Change jamais idole des hommes… des femmes… et probablement aussi des animaux. Je suis persuadé qu’un golden retriever qui te croise te respecte automatiquement.

Can of worms, deux guitares, DEATH FROM ABOVE deux guitares. Forcément pour accélérer comme vous le faites, il ne faut pas moins de deux guitares pour balancer la sauce mais t’as jamais pensé à recruter un vocaliste pour pouvoir te libérer à la guitare et faire plus de truc de dingue ? Je sais que t’es pas non plus hyper à l’aise à faire deux trucs en même temps du genre baiser de regarder un match de foot en buvant une bière, mais c’est une vraie question ? D’ailleurs au fur et à mesure des années ton guttural prend de plus en plus de grave, tu bosses dessus ou c’est juste le fait d’être papa qui t’a fait tomber le scrotum un peu plus bas ?

Pour avoir fait uniquement de la guitare ou uniquement du chant dans certains groupes, je pense sincèrement que mon équilibre est de faire les deux en même temps. Ça me stimule énormément sur scène, ça maintient une pression constante et ça participe au côté agressif du live. T’as moins de respiration, moins de temps mort, ça tabasse en continu et j’adore cette sensation.
Et puis il y a aussi le côté pratique hein. Quand tu tournes en Twingo avec le merch coincé entre les amplis et les packs de bière, chaque place compte. Les voitures quatre places c’est déjà un problème logistique aujourd’hui avec le prix de l’essence alors si en plus faut rajouter un growler qui transpire dans l’habitacle ça devient compliqué.
Franchement je ne suis pas sûr que je ferais beaucoup plus de trucs techniquement impressionnants en me concentrant uniquement sur la guitare. Notre équilibre actuel fonctionne parfaitement, autant humainement que musicalement.
Concernant le chant, ma période chez Scorn m’a énormément aidé. J’ai compris beaucoup de choses sur la respiration et le placement vocal. J’ai bossé certains aspects avec le temps sans forcément me prendre pour un coach vocal YouTube non plus. Mais oui, avec les années mon chant est devenu plus grave, plus massif, plus profond. Est-ce que c’est le travail, l’expérience ou le fait d’être devenu père avec le scrotum qui descend progressivement vers les chevilles ? La science n’a pas encore tranché.

Par rapport à Can of Worms, il semble que vous preniez nettement plus de temps pour écrire un album parce que quatre ans séparent « Altered Dimension » de ce chef d’oeuvre qu’est « Reckoning of the damned », alors qu’est-ce qui explique que DEATH FROM ABOVE prenne plus de temps à sortir un album que ne le faisait Can Of Worms ? Les aléas de la vie , l’âge avançant qui donne envie de mieux prendre en compte les choses et le temps de vivre et d’écrire mieux ?

On ne calcule pas vraiment les timings d’écriture ou les dates de sortie. On avance surtout selon nos envies et notre réalité de vie. Après le covid, on a surtout voulu redécouvrir “Altered Dimension” en répétition et en live. On avait enfin la possibilité de défendre correctement l’album sur scène et de profiter pleinement de ce qu’on avait créé.
On a aussi réussi à monter une belle trésorerie et à repartir au Japon en 2023, donc forcément ça prend du temps mais c’est du temps investi intelligemment. Quand un album fonctionne et nous rapporte un peu d’argent, mon premier réflexe c’est de réinvestir ça dans le groupe : une tournée, du merch, du matos, un meilleur son, de nouvelles opportunités. L’objectif n’a jamais été de vivre enfermés en studio pour sortir un album tous les ans comme à l’usine.
On veut surtout prendre du plaisir et faire les choses proprement. Et honnêtement, on ne s’est mis aucune pression pour sortir un successeur digne de “Altered Dimension”. On voulait un disque compact, violent, cohérent, sans gras inutile. Et au final “Reckoning of the Damned” est exactement devenu ce qu’on espérait : un putain de bloc dans la gueule.

On va parler un peu du Japon c’est une histoire d’amour ce pays pour vous, vous y avez joué plusieurs fois, et avec Can Of Worms et avec DEATH FROM ABOVE non ? Combien de fois vous y êtes allés ? (Putain au moment où j’écris cette question j’écoute Death Factor, bordel ça me rappelle Deicide et Vital Remains, ça bute ce titre mais sévèrement) Bref du coup comment vous expliquez ce lien avec le Japon, là aussi c’est une vraie question me parle pas des singes dans la mare avec la neige sur la tête je m’en branle...

J’ai réussi à entraîner tous mes potos de zik dans mes rêves de gamin. J’ai monté deux tournées au Japon : une avec Can of Worms et une avec Death from Above. Donc oui, ce pays est clairement devenu une énorme histoire d’amour pour nous. Au-delà du fantasme du gosse passionné de culture japonaise et de musique extrême, la scène là-bas est tout simplement incroyable.
Tu débarques dans des salles parfois minuscules et tu te prends des groupes complètement fous avec un niveau technique et une intensité inimaginables. L’underground japonais est d’une richesse monstrueuse. Les mecs vivent leur musique à fond, avec une implication et un respect hallucinants. Et puis il y a aussi toute l’organisation autour des concerts, le matos, l’accueil, le public… tout est fait avec sérieux et passion.
Mais au-delà de ça, ce qui nous a le plus marqué, c’est l’humain. On y a rencontré des gens qui sont devenus bien plus que de simples contacts musicaux. Certains sont devenus de vrais amis, presque une seconde famille à l’autre bout du monde. C’est aussi ça qui crée ce lien extrêmement fort avec le Japon.
Je souhaite sincèrement à tout le monde, peu importe son domaine, d’avoir la chance — ou les couilles — de vivre ses rêves un jour. Parce que dans la vraie vie, on nous explique souvent que ce genre de trucs n’arrive qu’aux autres. Nous, on l’a vécu deux fois… et j’espère bien qu’on remettra ça encore.

Je le disais quand on t’a eu au téléphone il me semble, mais nouvelle fois avec Remedy Art design, et c’est vrai que le style de votre pochette rappelle celle de Dan Seagrave sur « Souls to deny » par exemple, et là Remedy art design a fait de l’excellent taff. Le rapport à la mort est-il quelque chose d’inaliénable dans le death metal et dans votre musique particulièrement ? Parce que c’est ce que ça inspire, des trucs à l’ancienne quand les fragiles d’aujourd’hui parlent de sujets contemporains qui nous emmerdent vu qu’on le vit déjà tous les jours ?

Dans l’univers de Death from Above, on n’a jamais eu envie de faire de la musique pour revendiquer quoi que ce soit ou faire passer des messages cachés. On ne cherche pas à donner des leçons, ni à faire les sociologues de service. Notre terrain de jeu c’est le Death Metal et la science-fiction, point barre. Depuis tous les groupes dans lesquels j’ai joué, on a toujours gardé cette ligne de conduite : créer un univers, faire voyager les gens et les fracasser musicalement, pas leur faire la morale.
Concernant Remedy Art, c’est une collaboration qui dure depuis environ 2011 maintenant. À l’époque, je l’avais contacté complètement au culot parce qu’il bossait déjà avec des monstres comme Morbid Angel, Suffocation ou Devourment sur tout l’aspect visuel et merch. Pour moi c’était encore un truc inaccessible réservé aux grosses machines du milieu.
Et au final, comme avec Raph, une vraie relation humaine s’est créée au fil des années. On a évolué ensemble, nos réseaux se sont développés en parallèle, nos vies personnelles aussi. Aujourd’hui encore je suis en contact régulier avec lui, et au-delà du talent monstrueux du mec, c’est surtout un vrai pote et un énorme bosseur.
Pour les artworks, je lui laisse une liberté totale. Je lui balance les paroles, les concepts, l’ambiance générale et il digère tout ça à sa manière pour pondre sa propre interprétation. Et à chaque fois ça fonctionne parfaitement. Il comprend instinctivement ce qu’on veut transmettre sans qu’on ait besoin de lui faire un roman de cinquante pages.
Et forcément, dans le Death Metal, la mort, le chaos, la destruction ou le désespoir restent des thèmes centraux. Ça fait partie de l’ADN du style depuis le début. Mais chez nous, c’est toujours traité à travers la science-fiction, les univers dystopiques, les invasions, les mondes en ruine et les visions apocalyptiques. On préfère largement raconter la fin du monde avec des monstres interdimensionnels que disserter sur les problèmes du quotidien qu’on se tape déjà tous les jours en ouvrant les infos.

« Reckoning of the damned » mixé masterisé par Eric Dorleans du Notos pruductions, pourquoi vous détestez Julien à ce point ? C’est son bandana qui vous énerve ? Allez le dire à Cyco Miko… Plus sérieusement c’est vrai que la prod renifle grave les Etats Unis des années 90’s, énorme travail de ce côté là, c’est ce que vous vouliez ?

Quand on a enregistré “Altered Dimension”, on avait décidé collectivement de tout gérer de A à Z nous-mêmes, et c’est Julien qui s’était collé l’énorme chantier du mix et du mastering. Et honnêtement, on ne se rend pas forcément compte à quel point c’est un vrai métier avant d’essayer de le faire soi-même. C’est ultra complexe, ultra technique, et quand t’es autodidacte tu passes des centaines d’heures à galérer avant de comprendre certains trucs.
On assume totalement le résultat du premier album parce qu’il représente exactement l’époque et les moyens qu’on avait à ce moment-là. Et au final, ça nous a aussi énormément servi. Tout notre covid a quasiment tourné autour de ça : le son, le merch, le groupe, les projets… Raph nous a encore fait confiance. On a réussi à générer pas mal d’argent sans quasiment aucun coût de production.
Du coup, grâce à ça, on a pu investir intelligemment derrière : développer énormément de merch, financer la tournée au Japon, et surtout offrir à “Reckoning of the Damned” un vrai mix/mastering de qualité chez Notos avec mon pote Eric. Et clairement, le gap entre les deux albums est énorme au niveau du son. L’impact est beaucoup plus massif, beaucoup plus précis, tout en gardant ce côté organique et ultra agressif qu’on voulait absolument conserver.
Et oui, on voulait clairement retrouver cette sensation des productions américaines 90’s : un son brutal, vivant, naturel, qui sent la sueur et les amplis qui chauffent, pas un truc ultra clinique et stérile comme beaucoup de productions modernes. On voulait un album qui cogne vraiment.
Et puis soyons honnêtes : plus tu délègues certaines parties à des gens compétents, plus t’as de temps pour aller boire des bières avec les collègues sans finir par vouloir étrangler tout le monde en studio.

La science -fiction aaaaaaaaaah la science-fiction, Alien, Predator, Terminator, la science-fiction dans le cinéma, ces deux sujets sont des sujets de prédilection chez vous et ça date pas d’aujourd’hui. Ça vient d’où en fait cette fixation sur la science-fiction parce que les aliens qui viennent nous mettre une branlée c’est un truc qui vous a toujours attiré ? Non c’est vrai c’est un sujet de textes hyper présents chez vous. C’est le cas pour tous on tu fais ton dictateur et c’est toi qui dirige tout le temps le sujet sur lequel vous allez écrire ?

J’ai une liberté totale concernant les paroles, et vu que globalement tout le monde préfère faire des riffs plutôt que rédiger des textes, je me suis naturellement collé à cette partie-là. Et franchement, écrire des paroles c’est un vrai boulot de débile. C’est un peu comme faire des gosses : le plus simple c’est de les fabriquer, après faut les assumer et les élever correctement.
Chez Death from Above, chaque morceau est lié au précédent. Le deuxième album est la suite directe du premier avec exactement la même mécanique narrative. Pour les grosses têtes on appelle ça des “concept albums”, pour nous c’est surtout une escalade permanente dans la violence, le chaos et le désespoir… mais toujours avec un énorme plaisir derrière.
La science-fiction m’a toujours fasciné depuis gamin. Alien, Predator, Terminator, tout cet imaginaire-là m’a complètement nourri. Ce que j’aime dans la SF, c’est qu’elle permet de parler de destruction, de peur, de survie, d’humanité ou de folie sans tomber dans les trucs ultra terre-à-terre. Tu peux créer des univers gigantesques, des guerres interstellaires, des civilisations qui s’effondrent, des créatures monstrueuses… et tout devient quasiment sans limite.
Et puis honnêtement, voir des aliens venir mettre une branlée à l’humanité entière, ça reste quand même plus fun que d’écrire des textes sur la météo ou les embouteillages.
Pour le prochain album, je vais d’ailleurs bientôt me remettre sérieusement au boulot. Je veux encore étoffer l’univers, creuser plus profondément dans le désespoir total et pousser encore plus loin cette ambiance de fin du monde permanente qui colle parfaitement au groupe.

Bon enregistrer c’est bien mais j’ai vu que vous faisiez quelques concerts pour ne pas aller en ehpad trop vite, alors on vous voit où et quand sur cette première partie d’année ? Et aussi comment on fait pour vous soutenir et vous filer de la thune en achetant votre merch et albums par correspondance vu que tout le monde devient feignasse ?

On a bien tartiné les cinq premiers mois de l’année niveau concerts, histoire de prouver qu’on est pas encore totalement bons pour l’EHPAD même si certains matins deviennent compliqués après les balances et les bières de fin de soirée.
On va notamment se retrouver sur une prog avec le Circus de Capbreton, puis en septembre au Salem, et également sur nos terres bayonnaises au Magnéto. Et évidemment on reste ouverts à toutes les propositions possibles. Vous pouvez passer directement par moi, je gère toute la partie programmation du groupe donc ça va plus vite et ça évite les mails qui finissent dans les enfers d’internet.
Pour ceux qui veulent nous filer un vrai coup de pouce, le meilleur moyen reste clairement le merch et les albums. Notre Bandcamp tourne plutôt bien et chaque achat nous aide concrètement à faire avancer le groupe. Contrairement à beaucoup de projets, tout ce qu’on gagne repart quasiment directement dans Death from Above : tournées, pressages, matos, futurs enregistrements, merch, essence pour la Twingo nucléaire, etc.
On compte vraiment sur le soutien des gens parce qu’on a encore énormément de projets et surtout un prochain album qui devra remettre une énorme couche au-dessus de “Reckoning of the Damned”. Et ça demandera encore du temps, du boulot… et malheureusement pas mal de billets aussi.

Allez vu que le sérieux était le maître mot de cette entrevue je t’en remercie bien bas et je te laisse bien évidemment terminer l’interrogatoire comme bon te semble...

Mettez-vous sur la gueule bande d’enculés!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Merci encore ma poule pour l’invitation et pour le soutien depuis tout ce temps. La bise au chat.

Liens :

https://deathfromabovedeathmetal.bandcamp.com/

https://www.facebook.com/deathfromabovedeathmetal

https://www.greatdanerecs.com/eshop/web/

https://www.facebook.com/GreatDaneRecords/

Arch Gros Barbare

09/05/2026

Renseignements : 06.79.90.52.30

Renseignements : 06 89 22 54 03

TERRAGON, un projet, une vie. Le black metal c’est de la musique, et dans cette musique il y a quelques âmes qui apprécient réellement sa portée et l’énergie qu’elle procure. TERRAGON c’est le projet de Manylaethurius qu’il porte depuis pas mal d’années maintenant, un projet solo où le temps n’a aucune emprise. Alors pour découvrir son univers, et les albums (sortis chez Acid Vicious ) qu’il a écrit ainsi que ses ambitions pour son nouveau projet, voici une petite entrevue écrite, avec des questions auxquelles ce dernier a bien voulu répondre. Bonne lecture...

Bonjour à toi, avant toute chose, que signifie Manylaethurius, parce que j’ai eu beau cherché je n’ai pas trouvé ? Car c’est aussi un nouveau projet qui est beaucoup plus orchestral et beaucoup plus épique que TERRAGON non ?

Bien le bonjour à toi. Oui tu auras beau chercher la signification de ce nom, ça ne veut absolument rien dire. C’est juste un assemblage de syllabes, avec néanmoins la prononciation du IUS de fin en IOUS.

Je me suis fait ce nom lorsque j’ai commencé à composer, c’était d’ailleurs sous ce nom que j’avais édité ma première démo en 1996, les prémices de TERRAGON.

C’est donc sous Manylaethurius que je vais sortir mes prochaines compos de ce nouveau projet de musique Orchestrale, j’ai voulu le dissocier de TERRAGON, projet totalement différent. Bien qu’en l’absence de guitares saturées, on peut y retrouver le côté sombre. Je trouve que la vidéo que j’ai faite avec ce premier titre « Memories from the past » s’y prête plutôt bien.

Ça fait quelques mois où je me mets très sérieusement à la compo épique, je ne fais d’ailleurs plus que ça depuis juin 2025.

Allez on peut digresser un peu on s’en fout, on fait ce qu’on veut… Alors je ne dis pas que l’on est proche de Howard Shore, n’allons pas si loin, mais que souhaites-tu explorer au travers de Manylaethurius, parce que je ne sais pas, j’ai tout de même eu une énorme impression de source d’inspiration à la Tolkien ?

Howard Shore, j’écoute très souvent ses œuvres sur les deux trilogies. Mais j’écoute aussi énormément de musique de film. Après dire que ça ressemble, je n’ai aucune prétention de rivaliser loin de là avec ce compositeur. Quant à l’inspiration Tolkien, oui c’est indéniable car je baigne dedans depuis longtemps. J’ai un énorme défi avec ce nouveau projet. Je souhaite m’attaquer à la composition de Ainulindalë « La musique des Ainur », (la construction du monde en musique par Eru avec les «Ainur »), une mise en bouche sur le Chapitre IV de TERRAGON en guise d’intro que j’avais faite. Je voudrais vraiment faire quelque chose d’assez conséquent. C’est un gros projet car très complexe et j’ai tellement d’idées là-dessus que ça s’embrouille. Je lis et relis cette partie tirée du Silmarillion, mais aussi dans « Histoire de la terre du Milieu vol1 » où la description est beaucoup plus détaillée. Aucune idée du temps que ça va me prendre, je n’en suis qu’à la réflexion et en plein apprentissage. Mais entre deux, je compose de petites pièces.

Tu comptes sortir quelque chose de physique ?

Pour le physique, non pas du tout, le Chapitre V était le dernier.

Revenons sur le sentier qui mène à Gundabad et parlons de TERRAGON. TERRAGON c’est un projet solo que tu portes seul depuis très longtemps, depuis les années 90’s, mais tu as fait une très grande pause entre temps. Alors explique-moi d’abord pourquoi cette pause a eu lieu avec autant d’années qui séparent le chapitre 1 de Baudelaire et ce que tu cherchais exactement avec TERRAGON.

C’est une longue explication, A partir de 2002 j’ai intégré un groupe de Black Metal de Paris Spectrums Of Oblivion. N’habitant pas Paris, je faisais la route chaque dimanche pour les répétitions. Très vite dès mon arrivée, l’un des membres du groupe a voulu monter une Asso pour organiser des concerts, c’est là que nait METAL C.H.A.O.S., je me suis impliqué à fond dedans en co organisateur.

Nous avons commencé à faire des concerts sur Paris rapidement. Notamment avec Ancient, Apostasia, Enthroned, Cirith Gorgor…

2003 j’intègre un autre groupe de Black Metal (Ancêtres) qui se trouve encore dans un autre département, répète toutes les semaines.

2004 j’ai voulu faire un vrai album avec TERRAGON qui était en sommeil depuis la première démo.

Pour METAL C.H.A.O.S., nous ne nous sommes pas arrêtés à l’organisation, mais en plus nous avons fait un Webzine, chronique interview live report, j’ai tenté 2 numéros d’un Fanzine que l’on distribuait à nos concerts, mais c’est vraiment trop de boulot, il n’y aura pas eu de N°3.

2005 J’ai quitté Ancêtres.

2006 l’arrêt de l’organisation de concert car très déçu de l’envers du décor !

2007 j’ai tout arrêté en commençant par l’arrêt de Spectrums Of Oblivion. 5 ans très intenses, c’est vraiment épuisant ! d’autant que je travaillais de nuit, je dormais très peu le matin pour avoir du temps la journée pour tout ça.

Ensuite changement de vie familiale plus d’envie de me consacrer à la musique, je pense qu’entre 2007 et 2019 je n’ai quasi touché aucune guitare électrique.

2019 l’envie de reprendre, j’ai commencé à composer le Chapitre II.

Ensuite explique-moi pourquoi tout ce que tu sembles avoir créé , tu l’as fait seul ? Est-ce que c’est parce que tu n’a jamais trouvé les musiciens qui pouvaient coïncider avec ta manière de voir la musique ou est-ce que c’est parce que tu n’arriveras définitivement jamais à créer de la musique avec d’autres personnes ?

Ayant été déjà dans deux groupes, de styles différents, Spectrums Of Oblivion, un Black avec clavier, Ancêtres un Black Pur. Donc dans ces deux formations le travail de groupe était de rigueur.

Je voulais me faire une expérience Black Atmo et faire cela seul, pas de compromis faire ce dont j’avais envie. Bien que j’ai beaucoup aimé le travail en groupe ! Un complément de ce que je faisais. Depuis que j’ai repris en 2019, la compo solo me va bien, je peux faire cela à n’importe quel moment, pas de timing à respecter. Plus je vieillis et moins j’ai envie de me mettre des contraintes de temps.

Peut être qu’un jour…

Quelle était donc la portée première de TERRAGON du coup ?

C’est ce que je disais à la question précédente, le travail seul qui change beaucoup… et le côté planant de l’atmosphérique.

Et quelle est aujourd’hui véritablement la portée de TERRAGON car si l’on écoute le Chapitre I et le Chapitre II quel est le lien réel qui les unit avec les trois parties de la Terre du Milieu ?

Etant donné le temps qui sépare le Chapitre I du II ! cela représente 18 ans, j’ai quelque peu changé de concept ! à l’époque c’était très basé sur l’antichristianisme, très cliché ! bien que je ne sois pas très porté sur la religion, je n’y trouve plus du tout d’intérêt. Je n’avais pas du tout d’inspiration de texte à écrire. Je voulais rendre hommage à Ancêtres et l’intro de la première démo, qui était le texte « Au Lecteur » sur une musique de Prokofiev. J’ai donc voulu refaire une intro avec ce texte mais sur ma musique, ensuite « Les litanies de Satan » … et finalement je me suis dit, pourquoi pas consacrer un album complet. Le son est aussi très différent, à l’époque j’avais enregistré sur un vrai ampli. Y avait juste la batterie de programmée, mais en y repensant c’était vraiment très rudimentaire par rapport à la technologie actuelle. Une grosse différence aussi, sur le chapitre I il y a beaucoup plus de clavier, c’était la première chose que je composais. A l’inverse très peu de clavier à partir du Chapitre II, je voulais mettre beaucoup plus de guitare. La grosse différence est donc là entre ces deux Chapitres.

En fait que représente Baudelaire pour toi, au point de lui avoir écrit un album entier ?

Un personnage exceptionnel hors norme, ses textes j’en avais déjà lu quelques-uns, mais sans trop m’attarder dessus. J’ai lu le livre de Jean Teulé « Crénom Baudelaire » une bio vraiment très bien écrite, il a eu une vie de fou. J’en fais donc ma propre interprétation, que je retranscris sur des vidéos sur ma chaine Youtube https://www.youtube.com/@Terragon_officiel C’est depuis ce début 2026 que je me mets à cela.

L’atmospheric black metal est une étiquette bien souvent compliquée à porter, parce qu’elle ouvre sur un très large panel musical qui comprend pas mal de différences. Et le black metal d’aujourd’hui n’a plus guère grand-chose à voir avec celui des années 90’s. Alors quelle est ta propre vision déjà du black metal tel qu’il était dans les années 90’s et tel qu’il est aujourd’hui ?

L’étiquette Black Metal m’a toujours un peu passé au-dessus, entre cette notion de True Black, et le côté élitiste qui est de plus en plus flagrante, surtout en France. Je fais cela pour la musique en elle-même, j’aime ce son, cette atmosphère. Pour dire simple, le Black Metal pour moi c’est la musique avant tout. Toute l’image derrière je trouve cela ridicule maintenant. Je n’avais pas cette vision à l’époque, maintenant je m’en fou totalement. Cela dit, ma première compo de mon nouveau projet, je l’ai mise en vidéo sur les évènements de Norvège que l’on connait tous, et je me demande vraiment comment aurait évolué le Black Metal sans ces évènements d’où le titre « Memories From The Past ». Je suis allé à Oslo, l’année dernière, et malgré tout je suis allé voir « Holmenkollen Chapel », l’arrêt du train à Langhus bien connu de Mayhem et la tombe d’ Euronymous. Ça fait cliché, mais bon !! c’était quand même intéressant d’avoir vu ça, en plus il y avait de la neige.

Il y avait déjà les prémices de ce style mi 80, avec des groupes comme Venom ! je me rappelle avoir acheté leur vinyle Black Metal en 1984 à Carrefour, ça m’a complètement marqué et c’était déjà un avant-gout de ce que l’on appelle Black Metal. (Oui…. Je ne suis plus tout jeune).

Ensuite en zoomant de plus près, quelle est en fait ta propre vision du black metal et plus particulièrement du black atmosphérique sans qu’il ne tombe dans le post ou le shoegaze ?

Un complément de ce que j’ai dit précédemment, c’est le côté planant qui me plait dans ce style, ça peut t’emmener vraiment très loin. Un bon bouquin et écouter du Bathory, Blut Aus Nord. Ce sont vraiment des moments que j’apprécie et je peux passer une journée complète à faire cela.

Quand on écoute TERRAGON on ne peut s’empêcher de penser à certaines références comme Summoning et Mortiis des premiers albums , est-ce que ce sont des groupes et des albums qui sont dans tes références musicales, même si la musique de TERRAGON n’est en aucune sorte un réel rejeton de leurs propres vagues ?

Tu n’es pas le premier à faire référence à Summoning, J’aime beaucoup ce qu’ils font mais je n’arrive pas à écouter cela en toute circonstance ! bizarrement je n’ai écouté que dans ma période World of Warcraft. C’est rarement que je les écoute maintenant, parfois au travail quand je dois me concentrer sur un travail qui va me prendre du temps, et là j’enchaine plus album.

Mortiis j’ai très peu écouté. Je l’ai vu en concert y a quelques années, très ambiant j’ai bien aimé mais en concert c’est assez spécial.

Cela dit je n’ai rien inventé mais je ne saurais te dire ce qui m’a influencé. J’ai une grosse préférence entre tous pour Blut Aus Nord, Les premiers Burzum (jusqu’à sa période incarcération), Bathory, Evol, Mayhem Marduk… après dire si ça m’influence, peut être…

Cela fait maintenant trois albums que tu nous offres une musique en lien avec le monde de Tolkien. Quel est ton rapport avec l’univers complet de ce dernier ? Quel est ton histoire avec la lecture de ses œuvres, de la cinématographie de Peter Jackson ?

Je suis du clan d’avoir lu après les films, j’avoue que je ne connaissais pas du tout cet univers. Un bien ou un mal je ne sais pas, mais j’aurais quand même bien voulu me faire une vision plus personnelle de ce monde. Et se baser seulement sur les deux dessinateurs officiels Alan Lee et John Howe. Mais bon à cette époque internet n’existait pas donc !! je ne sais pas trop si on avait accès à cela. Mais peut être que j’aurais été déçu du film.

Peter Jackson a fait un chef d’œuvre sur le seigneur des anneaux, un peu trop de liberté sur le Hobbit, mais reste néanmoins aussi une prouesse. Je ne dirais rien sur les anneaux de pouvoir, saison 1 survolée, saison 2 pas vu

Je suis loin d’avoir fini les autres volumes de tous les écris de Tolkien, mais je m’y attèle. C’est quand même assez compliqué, surtout retenir les différents noms, les histoires différentes comme Beren et Luthien, il y a plusieurs versions, et surtout les changements qu’il a pu faire tout au long de sa vie. Quant à Peter Jackson on voit qu’il a bossé son sujet, qu’il s’est entouré des bonnes personnes. Une pensée pour Christopher Lee qui était un grand fan de ces œuvres.

C’est intéressant de voir que sur ta première partie de la Terre du Milieu, tu a écris des chansons indépendantes les unes des autres, lorsque l’on regarde de plus près et que tu écris sur Boromir, Galadriel, Tom Bombadil ou encore Nimrodel, alors que sur le deuxième partie tu continues en passant des premiers âges au troisième âge, on constate que cette troisième partie n’est plus du tout de la même teneur.

En fait sur ce dernier album , cette troisième partie, ce chapitre V, les chansons sont des actes, des mouvements qui ne parlent finalement que de deux histoires : Celle des Noldor qui partent en Valinor et celle de Beren et Luthien. Pourquoi ? Surtout que tu avais déjà écrit un titre sur Beren et Luthien... Qu’est-ce qui t’as poussé à décomposer les histoires en plusieurs actes ?

La raison est assez simple, sur le premier volet, j’ai repris tous les poèmes contenus dans la trilogie du Seigneur des anneaux. J’avais oublié qu’il y en avait autant. Le deuxième j’ai continué avec un peu du Hobbit. Je n’ai pas cherché à faire une suite logique.

C’est sur le troisième où là j’ai pris les « Lais du Beleriand ». Les poèmes sont très longs, il y a énormément de ligne à caser, pour cela que ces deux poèmes sont entre coupés. La version de Beren et Luthien sur le premier volet est différente des « lais du Beleriand », beaucoup moins détaillée.

Est-ce que les parties sur la Terre du milieu ne seront qu’au nombre de trois ou tu as l’intention dans faire quelques-unes de plus ? Parce que c’est toujours bien prenant d’avoir un décor musical, une couleur différente sur cette univers fascinant ?

A la base j’avais prévu d’en faire 4 avec un Design particulier d’une pochette coupée en 4 qui aurait pu se former en les mettant les unes à côté des autres. Mais le projet est tombé à l’eau par manque de temps, pour la personne qui me faisait le dessin. Je me suis donc résigné à faire du séparé. A l’heure actuelle le 4 n’est pas prévu. Mais je ne l’exclue pas, j’aime tellement cet univers, et il y a encore beaucoup de poèmes à exploiter.

Je viens de terminer le Chapitre VI qui sera une partie 2 de Baudelaire, mais le Mastering ne me convient pas, et à force de l’écouter, j’y vois des choses qui ne me plaisent plus. Là, il est en bordure de la poubelle. Je verrais plus tard pour le refaire.

Je me focalise sur mon autre projet, et cette annexe à la terre du milieu « Ainulindalë ».

D’ailleurs puisque l’on parle de couleurs, tu as fait le choix de n’avoir que du noir et blanc pourquoi ? A mon grand dam quand on regarde les pochettes de Summoning, c’est toujours grisant de profiter de la couleur, qu’en dis-tu ?

Je ne suis pas fan de la couleur, le côté sombre du noir et blanc, c’est vraiment ce que je préfère. Aussi bien pour les films, quand je vois que l’on s’amuse à coloriser de vieux films, je déteste ça. Même les vidéos que je fais sont en noir et blanc. Je suis daltonien, c’est peut-être la raison. Je trouve beaucoup plus beau une vielle photo noir et blanc.

Tout faire tout seul, puisque tu composes , tu joues, enregistres, mixes et masterises tout, ce doit parfois peut-être sembler astreignant , mais on s’aperçoit que tu es bien entouré, déjà sur le Chapitre 3 avec Limbaïrë, ou encore Necron et enfin et surtout Brice Acid Vicious qui est dans le milieu underground depuis tellement longtemps. Quel est ton rapport avec ces personnes talentueuses qui ne font pas parler d’eux pour être sous les feux de la rampe alors qu’ils ont un réel talent pour construire ?

Je dois beaucoup à Necron qui m’a beaucoup aidé pour le Chapitre II, il m’a expliqué les rudiments du Mastering, et les vst d’ampli. Etant donné que je me suis complètement coupé de tout ça depuis 2007, j’ai pris cette évolution de plein fouet. Je peux donc maintenant me débrouiller seul. Necron et son projet solo GERGOVIA, on se connait depuis 2004 , grâce à son premier album « Déclaration de guerre » qu’il m’avait envoyé pour être chroniqué sur METAL C.H.A.O.S. Alors on a reçu des centaines de Cd à l’époque. Et j’ai vraiment accroché direct avec lui, c’est devenu un très bon ami, bien que l’on ne se soit vu que très peu. C’est un excellent compositeur et musicien, grand fan de tout ce qu’il fait.

Limbaïrë je l’ai connu par le biais de sa chaine Youtube. Avec son compagnon Alexi, ils animent une chaine exclusivement sur Tolkien https://www.youtube.com/@tolkienenbref Une mine d’information sur la terre du milieu. Je l’ai contactée et découvrant qu’elle avait déjà fait des projets musicaux, je lui ai proposé qu’elle me récite le texte de l’anneau sur l’intro, puis la reprise de Gollum’s song tiré de la BO des deux tours que j’adore en version originale. Cette reprise je l’avais déjà enregistré bien avant en version Black Metal, j’ai donc voulu la faire en deux parties, version originale arrangée au piano, cordes et chœurs, et la version Black en seconde partie. Puis ce magnifique texte en Elfique qu’elle récite sur « Galadriel’s song of Eldamar ».

Brice oui bien sûr, il a toujours répondu présent pour le pressage, il est vraiment impliqué dans son Label. C’est vraiment une très belle rencontre. Un véritable passionné. Grâce à lui j’ai pas mal de CD un peu partout dans le monde.

Cette troisième partie semble avoir été écrite plus rapidement que les précédentes, y-a-t-il une véritable explication ou c’est le fruit du hasard ?

La composition est vraiment ce que je préfère, donc je traîne énormément en termes de mixage et mastering, en gros le chapitre III IV et V ont été écrits quasi en même temps. J’aurais pu sortir les 3 en une seule fois. La plupart des titres du chapitre V avait été écrit pour un autre projet, j’avais dans l’idée de faire un album avec une chanteuse dans le style The Gathering, mais le projet est tombé à l’eau, c’était trop Metal pour elle. J’ai donc réadapté toutes ces compos pour TERRAGON.

En fait sur quoi tu joues quand tu composes et quand tu enregistres ? La batterie n’est pas trop contraignante ?
Etant en appartement, tout est enregistré sur le PC. Carte son et VST d’ampli. La batterie c’est de la programmation via un VST.

Le chant, le plus compliqué en appartement, j’ai acheté une sorte de cabine, c’est efficace. Les guitares, je n’utilise que de la 7 cordes et basse 5 cordes. C’est devenu très simple maintenant, ce qui fait d’ailleurs grincer les dents des puristes. Mais bon ! s’il n’y avait pas cette possibilité, je ne le ferais pas car le budget studio quand tu es seul ce n’est pas possible, et vu qu’à mon niveau les ventes, ça ne représente rien !! il faut être raisonnable, ça ne reste qu’un loisir qui est déjà très onéreux.

Nous voici arrivés à la fin du voyage, je te remercie pour cet échange et avant de nous quitter qu’avons-nous oublié que tu souhaiterais dire avant de clore cette parenthèse ?

Et bien un grand merci à toi pour tes compliments, un plaisir d’avoir lu ta chronique.

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Arch Gros Barbare

21/04/2026

Rendez-vous au 08 rue Victor Hugo à SAINTE FOY LA GRANDE. Renseignements au 05.57.46.03.12

GROUPE: GALIBOT

TITRE ALBUM: Catabase

LABEL: Les acteurs de l’Ombre

DATE DE SORTIE: 2026

Faisant partie de cette nouvelle génération de groupes inspirés par le black metal qui revendique (ou pas) la dernière vague du black metal originel, GALIBOT prend tout de même les essences du mouvement (musicalement parlant) pour s’octroyer le plaisir d’offrir un black metal savoureusement bien écrit et loin d’être ennuyeux et sirupeux.

Il est évident que faisant dorénavant partie de l’écurie LADLO, vous n’irez pas chercher un black metal sauvage dans son authenticité, mais en fait plutôt violent dans sa sincérité. Et pourtant quand on écoute le groupe, sur leur première production, on y appréciera sur de longs endroits leur amour pour Emperor.

GALIBOT est jeune dans sa formation, mais déjà bien rodé dans sa manière de composer. En effet après la sortie de « Euch Mau Noir » en 2024, on s’aperçoit que 2026 fera parler coup sur coup de ce jeune groupe. D’abord parce que la signature avec les ténors du black metal contemporain leur a valu une réédition de ce « Euch Mau Noir » en bis mais non repetita, avec un changement de couleur (et pas que visuel) puis le rajout de deux titres dont l’excellente nouvelle version de « Schlamms ».

Mais ça en fait on s’en fout ; coup sur coup parce qu’ à cette réédition (ce premier mini album) fait rapidement suite « Catabase », qui bien que seconde réelle production, celle-ci a plus les airs d’un véritable premier album.

GALIBOT propose d’abord textuellement la découverte des contrées nordiques de l’hexagone avec une vision beaucoup plus authentique et torturée, beaucoup plus sombre bien sûr que certaines productions du « septième art » ayant mis à l’honneur les « Ch’tis » . Car ici avec une raison certainement plus travaillée et sérieuse, au travers de son black metal agressif mais mélodique, GALIBOT soumet à votre approbation quelques ouvertures de fenêtres avec un regard noir sur l’industrie , les corons, les mines de charbon et donc l’héritage de ces contrées. Une thématique déjà peu mise en avant dans la musique extrême.

Mais ici GALIBOT s’empare véritablement de cette vie de misère pour lui rendre hommage dans une musique encore plus profonde, encore plus solennelle et sincère sur ce nouvel album « Catabase ».

Un album d’une auguste noblesse et d’une intensité incroyable.

D’une auguste noblesse parce que ce digipack met réellement en valeur le bassin minier et vous entraîne dans un abîme ténébreux et rempli d’histoire(s), sur un artwork et un lay out de Roy de Rat offrant un décor ultime du monde dans lequel vous pénétrez avec « Catabase ». Les couleurs et la mise en valeur du logo de GALIBOT sur ce digipack à la texture somptueuse (ce que vous ne pourrez jamais avoir en numérique) sont d’une qualité supérieure qu’il est obligatoire de mettre à l’honneur.

D’une intensité incroyable parce que l’album démarre sur des chapeaux de roue juste après l’introduction tellement réaliste « Catabase » annonçant une descente aux enfers à la découverte d’une explosion de puissance. Une évolution rapide se constate sur ce nouvel album, avec « Jeanlin ».
« Jeanlin » qui brille avec véhémence où l’on peut apprécier les lignes vocales claires de leur hurleuse Diffamie (des vocaux clairs dont vous aurez plusieurs passages anecdotiques durant l’album) . Et c’est sur cette première chanson dont la production est signée Julian Baquero/ Francis Caste (que l’on ne présente plus) que ces nordistes viennent asseoir leur maturité et imposer leur force.

GALIBOT a pris du relief par rapport à « Euch Mau Noir » et arrive déjà à écrire un black metal impressionnant de sagesse où plusieurs générations d’inspirations viennent se compléter tout au long de l’album.

A partir de là, ce qui vient à vous, c’est une avalanche de titres impressionnants de robustesse et de hargne dans un black metal qui se voulait contemporain mais qui devient tout à coup intemporel.

En puisant son inspiration dans la violence d’antan et le déchaînement actuel, GALIBOT arrive à écrire un album indispensable en peu de temps.
« Bleu noir rouge » et les sonorités d’un accordéon discret, ou l’environnement très 90’s de « Voreux » dans ce black metal pourtant ancré dans le rancissement de ces dernières années à la Otargos, conservent cette magnificence noire avec des rythmiques d’une régularité sans faille , des doubles vocaux et un lead aux allures guerrières.

Quatre titres et quatre titres épiques où l’on s’enfonce petit à petit dans cette mine sombre et austère.

Tout l’album est construit dans la passion et l’émotion. Tandis que « Baptise terre » vous enfonce encore et toujours en tant qu’instrumental dans les profondeurs avec ici aussi une incommensurable majesté, GALIBOT poursuit sa route sur cet album dont l’avenir semble déjà tout tracé.
Le titre révélé « Penitent » se place au centre de l’oeuvre, où l’on retrouve les vocaux clairs qui adoucissent presque l’image du groupe (heureusement passages subtils mais courts) , pour mieux repartir dans cette lancée haineuse.

Une lancée haineuse parce qu’avec « Les montagnes poussent sous terre » on retrouve aisément cet état d’esprit plus primaire guidé par les âmes des vieux Dark Throne de l’époque de « Panzefaust » avec du riff à la « Quintessence » mais mieux produit, dont la portée se veut plus mélancolique que diabolique. Mais tels sont aussi les environnement du black metal de maintenant.

Un titre qui prend un envol phénoménal où les guitares se subliment les unes aux autres et où le chant vous guide dans la souffrance.

C’est certainement les textes d’aujourd’hui qui diffèrent vraiment de l’état d’esprit black, car le mal est humain et non plus déifié. Alors que GALIBOT vous propose la pause dans l « Estaminet » avec une musique aussi noire que leur café, c’est encore une fois un petit clin d’oeil à Emperor qui vient à point nommé avec un rappel au début de riff de « I am the black wizards » alors que ce titre prend une tournure beaucoup plus death metal en son centre.

En effet GALIBOT s’auto-mutile pour faire apparaître des riffs qui vous ordonnent de vous battre dans une brutalité plus blackened/death core. Et le mélange des deux avec le rapide rappel de lead ultra aiguisés juste après, est simplement savoureux.

Ainsi ira l’album jusqu’à son terme sur les trois derniers titres, de « Terril » à « Mesektet » en passant par «  Saint Cordon », GALIBOT ne déçoit pas et mène l’auditeur jusqu’au terme de sa descente aux enfers (comme l’indique le titre de ce nouvel album) jusqu’au royaume des morts que vous pouvez admirer sur l’intérieur du digipack.

Avec un tel niveau d’excellence, attention à ne pas tomber de haut lorsque l’on écrit quelque chose qui inspire le respect musical , parce que lorsque la barre est excessivement haute, il faudra alors savoir prendre du recul pour se hisser toujours plus haut. GALIBOT devra être vigilant sur sa prochaine production, pour conserver le niveau. Mais en attendant voici quarante et une minutes qui explosent plus fort que le coup de grisou tant attendu.

Arch Gros Barbare

21/04/2026

Le heavy metal est une vague de musique qui perdure depuis les années 70’s, on l’a pensé enterré, mais jamais ce style n’a disparu de nos oreilles, jamais le heavy metal ne s’est effacé de notre ligne d’horizon, parce qu’il possède tellement de coeur, tellement de passion, tellement d’inspiration qu’il sera là jusqu’à la fin des temps.
En France, THE LOSTS en est un grand et fier étendard, et depuis seize années ce groupe du Nord de la France n’a jamais cessé de mettre en valeur les couleurs de cette vague, bien que leur style soit légèrement plus sombre, mais à chaque fois grisant.
Troisième album sorti en toute fin de l’année dernière, il y a quelques mois, « Venom Within » est certainement l’album le plus abouti de THE LOSTS aujourd’hui. Et si musicalement le groupe fait toujours vibrer, il fallait savoir si les envies étaient toujours les mêmes après tout ce temps.
Entrevue écrite très intéressante avec Yann, guitariste chanteur du groupe. Entrez dans la danse…

Bonjour à toi, j’ai eu du mal, mais nous y sommes enfin. seize ans, seize ans que THE LOSTS existe, d’abord ce qu’il me semble important de savoir, c’est est-ce que la flamme est toujours la même seize ans après ? Est-ce que les objectifs sont les mêmes quand on s’est installé professionnellement, « familialement » avec éventuellement des enfants , et un emploi du temps totalement différent de ce qu’il était il y a seize ans ?

Hello Arch ! Merci de prendre ce temps pour nous !

En 16 ans, la passion évolue forcément. Nos rêves de tremplin et de conquête ne sont forcément plus les mêmes qu’à nos débuts, nous relativisons avec l’âge. La conjoncture pour faire vivre la musique a aussi énormément évolué, ne laissant plus si facilement la possibilité de promouvoir un album sur les planches. C’est un élément extrinsèque qui a forcément une incidence sur la foi. Toutefois, nous sommes fiers de ce que nous avons accompli avec THE LOSTS, fiers d’être toujours là après toutes ces années. C’est toujours une chance de continuer à écrire de la musique et, qui plus est, une musique qui s’est dessinée au fil des années et qui nous appartient bien plus qu’au démarrage du groupe. Comme tu le mentionnes, poursuivre ce projet en parallèle de nos vies personnelles, très différentes les uns des autres, est parfois un challenge mais on s’en sort et la sortie d’un album est toujours un événement grisant !

De la même manière, un ep et trois albums vu que « Venom within » est donc le troisième album de THE LOSTS, est-ce que l’on aborde, déjà l’écriture d’un troisième album après tout ce temps, de la même manière que la première production ? Je veux dire vu que les motivations ne sont plus les mêmes, est-ce que vous avez estimé qu’il n’y avait aucune deadline, aucun timing obligatoire pour sortir ce « Venom Within », tandis que lorsque vous avez sorti « No god no Devil » à l’époque ça ne devait pas être la même impatience ?

Nous n’avons bien sûr pas abordé le travail de la même manière entre notre première et notre dernière production, déjà parce que nous avons énormément appris dans ce laps de temps tant sur la composition que sur l’enregistrement, la production ou même la planification. Concernant la notion de deadline, j’aurais tendance à dire que cela a fonctionné à l’inverse. Du temps de « No God, No Devil », les choses étaient certes bien moins peaufinées, elles ont donc nécessité moins de temps mais nous n’avions aucun délai. Pour une production comme « Venom Within », il faut pouvoir se fixer un calendrier car il y a une succession d’étapes avec beaucoup à penser et, sans limite, on pourrait vite laisser traîner les choses ou ne jamais s’arrêter de retravailler les titres. Phil (Reinhalter, notre producteur) a parfois dû nous dire : « Stop les gars, là, on y est ! ». Le processus de cet album, du lancement de la préproduction à la sortie du disque, s’est déjà étalé sur presque deux ans. Pour ce troisième album, il y avait également une pression à la composition que nous n’avions pas vraiment ressentie auparavant. Après « Mystery Of Depths », nous n’avions plus de matériel en stock. Il a fallu affronter une certaine angoisse de la page blanche pendant les premières sessions de composition. Pour ce qui est de l’impatience, même si nous ne sommes plus dans la découverte, je pense qu’elle reste bien pressante à chaque préparation de sortie ;-)

Deux autoproductions et ici avec « Venom within » une signature. Qu’est-ce qui a changé pour que vous ayez eu envie de ne plus tout contrôler vous-mêmes d’autant plus que Inverse records est un excellent label finlandais ? Il y a eu du bon taff de leur côté ?

Pour promouvoir nos deux précédents albums, nous avions travaillé avec Ellie Promotion. Par son intermédiaire, nous avions eu également un deal avec Season Of Mist pour distribuer « Mystery Of Depths ». Cette collaboration a été importante pour nous et Elodie d’Ellie Promotion a fait un super travail pour lequel nous lui serons toujours reconnaissants. Avec « Venom Within », nous souhaitions passer un cap en essayant une nouvelle approche. Nous avons démarché de nombreux labels, avons reçu plusieurs réponses plus ou moins sérieuses et sélectionné la plus intéressante, celle avec laquelle nous avons eu le meilleur contact… celle d’Inverse Records ! Nous sommes particulièrement fiers de cette signature car nous sommes l’un des seuls groupes français du roster. Inverse Records a une très bonne réputation et un rayonnement qui nous a permis d’être diffusés partout sur les ondes et de recevoir de belles chroniques de toute l’Europe, d’Amérique du nord et du sud. Inverse Records est dans le circuit depuis des années, il sait ce qu’il fait.

Chaque étape d’évolution de votre groupe a toujours montré une pochette d’album différente, mais à tous les niveaux, et là aujourd’hui c’est ce rouge et blanc de Alek Vladski qui nous rappelle, en tous les cas me rappelle ce trash polska contemporain bien mis en avant ces dix dernières années, un peu partout et beaucoup en tattoo. Alors qu’est-ce que vous vouliez mettre en avant avec cette illustration qui tranche pas mal de vos précédentes, même si quelque part celle de « Mystery of depths » a pu servir d’intermédiaire ?

Nous avons toujours accordé une place importante aux visuels, en explorant des directions différentes d’une production à une autre. De la photo retouchée par DGC sur « No God, No Devil », du graphisme de Stan W. Decker (qu’on ne présente plus) sur « … Of Shades & Deadlands », du dessin au stylo sur « Mystery Of Depths » par Chadwick St John qui avait travaillé pour Darkthrone, il était temps de changer une nouvelle fois de visage. Alek est un artiste indépendant lillois avec qui nous projetions de travailler depuis longtemps. Les étoiles étaient bien alignées entre sa disponibilité et notre nouveau projet. Alek a fait un peu de tatouage mais c’est marrant parce que je n’avais jamais fait le rapprochement entre ses créations et le monde du tattoo. Il crée des motifs, en fait des tableaux patchwork à partir de dessins, de collages, y ajoute des touches de peinture… C’est très fouillé et personnel. Avec « Venom Within », le concept des Egarés (développé depuis notre premier EP) pose la question de l’existence, de notre nature en tant qu’êtres humains, de ce pouvoir dont nous disposons de créer et de détruire… de ce venin intérieur qui nous hante et peut parfois nous mettre, ainsi que notre environnement, en péril. J’ai toujours adoré feuilleter les planches naturalistes pleines de croquis, de formules, de notes griffonnées comme on peut en trouver chez Deyrolle par exemple. C’est un observatoire de la vie dans toute son essence. Le style d’Alek m’évoque tout à fait cet univers. Il avait donc tout le potentiel pour illustrer très justement la nouvelle orientation conceptuelle de nos textes.

Du coup THE LOSTS Heavy ou thrash ?

Je dirais Dark Heavy ;-)

Malgré tout le côté sombre de THE LOSTS influe pas mal sur votre musique ce qui rend votre heavy metal du coup pas si facilement heavy metal et vos influences musicales plus ténébreuses doivent largement y participer. Quand on écoute l’intro de « A dark place to hide » ou encore « Mellem Verdenerne » et « Exponential Law » ça montre littéralement l’amplitude musicale de THE LOSTS et c’est cette ouverture d’esprit qui fait la force également du groupe . Alors si tu devais vraiment définir musicalement la musique de THE LOSTS sans utiliser aucune étiquette musicale, aucune référence de style , comment présenterais-tu THE LOSTS ?

THE LOSTS compose une musique sombre, dynamique et profondément mélodique qui explore les possibilités vocales. Si elle s’exprime essentiellement sur le plan électrique, elle se joue des bornes de la musique dure et extrême et n’hésite pas à inviter, le temps de quelques notes parfois discrètes, à un voyage autour du monde. La diversité de notre musique est notre force et aussi notre fragilité puisqu’elle ne rentre pas vraiment dans les cases (ce qui a d’ailleurs toujours rendu complexe la recherche d’un label qui ne soit pas exclusivement dédié à un style).

Qu’est-ce que tu en penses ? J’ai respecté la consigne, non ? Je n’ai cité aucun style :D

C’est vrai tout de même qu’à l’écoute de « Muspellsheim Ascent » on flirte réellement avec un esprit black mélodique non ?

Tout à fait !

« Until The End », sur l’album précédent s’inscrivait déjà dans cet esprit. C’est une direction que nous aimons beaucoup. Elle permet notamment à JCR de prendre davantage le devant de la scène, de par ses excellentes interprétations vocales extrêmes. J’écoute pas mal de Black Metal, et JCR encore davantage. Un esprit IMMORTAL plane toujours un peu au-dessus de nos têtes. C’est donc assez naturellement que les sessions de composition nous ont emmenés vers ce morceau. Le texte a trouvé son inspiration dans les « Edda » de Snorri Sturluson, on ne peut être davantage aux racines du paganisme scandinave ! « Muspellsheim Ascent » est une allégorie de l’ascension de l’espèce humaine à travers les âges, de son ambition, parfois, de se rapprocher d’une certaine stature divine, avec le risque cependant de se brûler les ailes...

Alors que le père Rob Halford prend de l’âge je trouve que ta voix a pris à chaque album encore plus d’assurance, encore plus de puissance, et quelque part se rapproche pas mal de Rob Halford quand tu te sens l’envie d’aller chercher la note assez haut, et c’est plutôt flagrant sur « Exponential law » justement. C’est quelque chose que l’on t’as déjà dit ? Est-ce que toi tu t’en aperçois et du coup comment tu as travaillé ta voix depuis toutes ces années ?

J’ai souvent lu des références à Rob ou Bruce Dickinson au fil des articles. Bien sûr, c’est flatteur. Ce sont des figures emblématiques et incontournables avec lesquelles, comme tout bon metalleux se respectant, j’ai grandi. J’ai bien conscience que lorsqu’on pousse les aigus, on s’inscrit de fait dans le giron de Rob. Tout comme lorsqu’on use du vibrato, on s’inscrit dans le giron de Bruce. Pourtant je situerais davantage mes influences majeures du côté de Snowy Shaw, King Diamond, ICS Vortex et, bien sûr, toutes proportions gardées sur l’échelle du talent et de la grâce, Andre Matos ! Ces dernières années, j’ai aussi découvert le chanteur norvégien Sturle Dagsland. Il a une hallucinante palette vocale qui m’inspire beaucoup.

Quand j’ai débuté le chant, il y a une petite vingtaine d’années (je suis avant tout guitariste), j’ai eu besoin d’un accompagnement orthophonique pour un enrouement chronique. Je plaçais mal ma voix. Des cours de chant lyrique avec un baryton de l’Opéra de Lille m’ont permis de comprendre tout un tas de choses sur l’appareil phonatoire et ses résonances, le souffle. J’ai pratiqué des exercices d’échauffement du larynx pendant plusieurs années. Je ne ressens plus le besoin de travailler ma voix maintenant. Je connais bien mes forces et mes fragilités. Je pense que c’est ce qui te fait dire que ma voix a pris en assurance. Je connais aussi bien les incidences… ma voix est une vraie éponge. Quand je suis stressé, elle est directement impactée. Mais je sais ce que je dois faire pour la protéger.

Les backing ont tout de même leur mot à dire dans le musique de THE LOSTS parce que tout le monde met la main à la patte pour faire du backing vocals, qu’ils soient de toutes les couleurs, notamment thrash ou black. Il n’y a pas parfois une envie de tes compères de prendre plus de place sur le chant pour te donner matière à répliquer ?

C’est quelque chose que nous développons depuis longtemps mais c’est vrai que d’album en album, nous tentons de laisser toujours plus de terrain au collectif. Je pense qu’on a trouvé un meilleur équilibre sur « Venom Within ». J’aime beaucoup les groupes comme KISS qui se partagent les chants, même si le registre de chacun de ses membres est assez similaire. Jouer avec les tessitures apporte beaucoup de richesse à la musique. Nous verrons où cela nous mènera à l’avenir, mais la porte est grande ouverte aux expérimentations, aux idées et aux envies de chacun.

En réécoutant chaque album de THE LOSTS on sent nettement l’évolution à chaque nouvel album, cette facette épique reste tout de même collée à votre musique, mais c’est la maturité que l’on ressent surtout sur ce dernier album, une maturité très sûre d’elle qui fait de la musique pour se faire plaisir et surtout faire plaisir aux autres. Vous avez modifié des choses dans votre manière de composer, d’enregistrer sur ce nouvel album ? Explique nous d’ailleurs un peu la production avec Phil de Putrid Offal vu que vous avez fait appel de nouveau à lui et El Mobo dont nous n’avions plus de nouvelles depuis un bail de notre côté ? Ça se passe comment quand un gars comme Phil vous produit, parce que le grind est à des années lumière de votre musique ?

Pour « Mystery Of Depths », nous avions tout enregistré de notre côté et nous avions livré l’album brut à Phil. Il ne restait qu’à l’éditer, le mixer et le masteriser. Phil avait ressenti un peu de frustration car nous n’avions pas pu aller au bout de certaines idées et il avait dû travailler avec une matière difficilement modifiable. Pour « Venom Within », nous avons pris le parti de travailler de manière plus collaborative. Nous avons enregistré une pré-production qui nous a servi à affiner le fil conducteur de l’album et les arrangements avec Phil. Nous lui avons laissé carte blanche dans la direction artistique et il nous a poussés dans nos retranchements, ce qui a été très formateur. Puis, une fois cette base retravaillée, nous avons tout réenregistré, batterie et basse au WaveLight Factory de Phil, guitares et chant dans notre home-studio, avant que Phil ne passe à la phase de mixage. L’album mixé est ensuite passé entre les mains de Mobo au Conkrete Studio. Ce processus a donné une bien meilleure cohérence à l’ensemble.

Côté composition, « Venom Within » est une œuvre également bien plus collective. J’avais pour habitude d’écrire beaucoup de squelettes de nos chansons. Ici, tant DGC que PPG ont fait de même. PPG n’avait pas pu participer à la composition du précédent album, étant arrivé dans le groupe à la fin du processus de production. Il a un sens de la composition et du groove vraiment intéressant. Depuis son arrivée, la musique de THE LOSTS s’en est trouvée grandie !

Enfin, Phil est un excellent musicien et technicien. Au-delà du grind, il enregistre beaucoup de choses différentes et sonorise des spectacles variés. Il a une oreille très aiguisée et des conseils très avisés de producteur. L’avoir à ses côtés constitue une véritable plus-value dans le processus de création d’un album. On s’est beaucoup nourri mutuellement. Il a parfaitement compris notre musique et ce que nous souhaitons en faire. Du grind, il garde peut-être un réflexe : il aime beaucoup raccourcir les morceaux :D Mais c’est tout à son honneur car ceux-ci gagnent en impact !

Et parle moi un peu des guests ?

Celles et ceux qui suivent l’histoire de THE LOSTS savent qu’on aime faire participer notre communauté. L’idée de « Mellem Verdenerne » (« entre les mondes » en danois) était de transporter l’auditeur d’une dimension musicale orientale à une dimension musicale occidentale, plus spécifiquement nordique. Ce morceau s’inscrit dans le concept des Egarés en évoquant la représentativité de l’humanité. Le terrain était rêvé pour solliciter OfRo, un producteur et compositeur tamoul très renommé en Inde, qui s’avère être également notre beau-frère, à DGC et moi-même. Il a magnifiquement complété le morceau sur le plan rythmique, en y ajoutant des percussions indiennes et beats électro. Gabrielle, ma fille, a apporté quelques notes de piano sur la partie plus baroque du morceau, pour soutenir ma mandoline. Elle avait déjà participé à un de nos albums puisque c’est elle, la petite voix que l’on peut entendre en introduction de « Dr Punkelstein – The Maximator » sur « … Of Shades & Deadlands ».

Enfin, nous souhaitions développer un duo avec une voix féminine. DGC côtoyait Valérie du groupe de Metal gothique Penumbra, dans le cadre professionnel. Il nous a donc suggéré cette excellente idée. Elle a tout de suite accepté le projet et nous avons été enchantés de sa contribution !

Quand on écoute « Here comes tragedy » avec la participation de Valérie de Penumbra, la musique de THE LOSTS prend encore un autre tournant. Alors ma question est simple, quand on connaît Penumbra, est-ce que le morceau « Here comes tragedy » avait été dans cette intention presque sympho ou quand vous y avez intégré la participation de Valérie vous l’avez fait évolué au fur et à mesure de l’enregistrement, parce qu’il a tout particulièrement une facette très orchestrale, même si vous y gardez une signature tellement heavy metal traditionnel sur le solo ?

« Here Comes Tragedy » avait été écrite au départ dans une veine MEMENTO MORI. Elle a pris son essence à l’enregistrement, avant de devenir le théâtre du duo de voix. J’avais imaginé le chœur d’avant solo en pré-production, Phil avait proposé les pizzicati sur l’introduction et les nappes de claviers soutenaient ma voix sur les refrains. On pouvait déjà trouver ce type d’orchestration sur « The Drug I Miss », dans notre précédent album. Le guest avec Valérie aurait pu tomber à l’eau car l’incorporation de ses voix s’est faite un peu au dernier moment… On a bien fait de s’accrocher à l’idée car le titre a encore pris une toute autre dimension !

Je parlais de KISS tout à l’heure. C’était la référence principale pour la partie solo. Un morceau sombre et atmosphérique avec une étrange rupture hard rock en guise de final ;)

En fait cet album me fait halluciner tellement il a de la puissance sur chacun des morceaux. Je parlais de côté épique, mais c’est simplement excellent sur « The headless cross reloaded », le riff est terriblement efficace. Vous vouliez parler de quoi en titrant celui-ci « The headless cross reloaded » ?

« The Headless Cross » est le tout premier morceau que nous avons enregistré, pour apparaître sur la compilation Howl #1. C’était en 2011, au LB Lab. Nous avions d’ailleurs utilisé la première batterie d’Hervé Coquerel de LOUDBLAST pour l’enregistrement. On avait fait ça en une ou deux journées express, on n’était clairement pas prêts, nous découvrions le monde du studio. Cette démo a été remasterisée pour paraître sur notre premier EP « No God, No Devil », en 2013, mais nous n’en avons jamais été satisfaits. C’était une chanson importante à nos débuts. Elle marquait également les premiers propos de la Genèse des Égarés : « Pas de Dieu, pas de Diable pour les guider, sous la croix sans tête, ce sont les Egarés ». Ce qui est un peu devenu la devise de THE LOSTS. On trouve la fameuse « Croix sans tête » sur la tranche de chacun de nos CDs.

Nous avions toujours en tête de la réenregistrer. Nous avons donc réécrit certaines parties pour coller à notre évolution et l’avons rebaptisée « The Headless Cross Reloaded ». Comme on entend JCR l’éructer dans cette nouvelle version : « We’re still lost ».

Voici quelques mois que ce nouvel album est sorti puisqu’il est dispo depuis la toute fin de l’année 2025. Est-ce que quelques dates sont prévues , je sais que vous avez joué à Lille, mais est-ce que quelques excursions sont prévues qu’on puisse vous saluer sur les planches ?

Je t’avoue en toute transparence qu’on touche ici un point sensible. J’évoquais un peu plus haut, le climat devenu complexe pour la scène. A la sortie de « Mystery Of Depths », le monde revivait après l’étrange période COVID. Nous n’avions eu quasiment à faire aucune démarche de booking, nos dates reposaient sur la base d’invitations de festivals ou d’organisations. 5 ans plus tard, malgré une étape encore supérieure franchie avec cet album et la signature sur un label, c’est une toute autre ambiance qui nous cueille. Nous nous sommes retroussés les manches pour programmer des dates mais nous sommes confrontés pour la première fois depuis nos débuts à des salles qui ne répondent pas, des festivals qui estiment que nous sommes « trop pro » pour leur programmation, « trop metal » ou « pas assez extrêmes ». Nous n’arrivons toujours pas à passer la barre de certains festivals pour lesquels nous postulons régulièrement. Nous avons dû refuser deux dates, l’une au Luxembourg, l’autre à Amsterdam, pour cause de conditions déplorables qui nous auraient coûté des bras (et on a bien besoin de nos deux bras pour jouer). Bref, nous sommes très circonspects, un peu désabusés aussi. Nous sommes conscients que nous ne rentrons pas dans les standards actuels consistant à inonder les réseaux de clips, captations live ou autres stories. Ça ne nous intéresse pas spécialement. Mais il y a de quoi s’interroger… C’est assez triste et peut-être y a-t-il quelque chose à accepter dans l’évolution du monde du spectacle.

Avant de se quitter j’aimerais que tu me parles de ta passion pour ANGRA, que tu me parles de leur découverte, de leurs albums de leurs chanteurs, parce que c’est tellement bon d’écouter ou de lire les fans quand ils parlent avec passion d’un groupe qu’ils adorent.

Oulà, tu me lances sur un sujet dont ni toi ni moi ne risquons de ressortir indemnes :D

Plus qu’ANGRA, c’est d’Andre Matos dont je suis véritablement fan. Bien sûr, la période 92-98 du groupe représente, pour moi, la perfection musicale, la symbiose ultime entre musiciens. Mais, après leur split, même si j’ai suivi le tandem de guitaristes jusqu’à la fin de l’ère Edu (je n’ai pas du tout aimé la période Fabio. Je n’ai pas trouvé le chanteur à sa place), j’ai surtout voué culte et fidélité à Andre.

Cet amour a débuté en 1996, à la découverte du morceau « Nothing To Say » sur la compilation « Metal Explosion Volume 2 » de Metallian, acheté pour quelques francs qui traînaient dans ma poche de jean. Un copain m’avait ensuite prêté l’album « Holy Land », que j’avais copié sur une cassette préenregistrée de new age, trouvée dans un placard de mes parents. J’y avais mis du Scotch sur les encoches pour pouvoir enregistrer dessus. J’étais à l’aube de mes 15 ans et j’étais essentiellement fan de MEGADETH à ce moment (une autre passion qui n’a pas diminué avec le temps). « Holy Land » a été un puissant revers de la main sur ma joue d’ado en quête d’exploration. 30 ans plus tard, cette œuvre reste un trésor plein de mystères que je chéris précieusement et de manière inconditionnelle. Comment ce groupe a-t-il pu synthétiser l’énergie d’HELLOWEEN, la maestria de QUEEN, la plume de Schubert, et la cadence de Caetano Veloso avec autant de finesse, de virtuosité, d’éclat ? « Holy Land » est d’une richesse renversante, il incarne à lui seul le concept de liberté. Et puis, en son noyau brûlant, il y avait Andre, mon maître à écrire, mon maître à chanter, mon maître à vibrer.

J’ai poursuivi ma rencontre avec lui à rebours, avec les autres chefs-d’œuvre que sont « Angels Cry », « Reaching Horizons », mais également VIPER et ses deux albums. Puis les EP et « Fireworks » d’ANGRA, la démo de LOOKING GLASS SELF, le projet VIRGO, l’après ANGRA avec SHAMAN bien sûr, ANDRE MATOS BAND, SYMFONIA, ses participations ci et là… Andre avait un peu perdu de son aura, pourtant jusqu’à « The Turn Of The Lights » - dernier album studio - je lui ai toujours trouvé une rare portée émotionnelle. J’ai tant espéré son retour sur des scènes européennes, un album de VIPER faisant suite au single de 2020, voire…. une reformation d’ANGRA, jusqu’à cette terrible annonce du 8 juin 2019. Je ne l’aurai rencontré que deux fois. Je trouve tellement injuste qu’il n’ait pas davantage marqué l’Histoire de la musique, au-delà des bornes de la musique metal. Son timbre touchait au divin et sa plume en dessinait un écrin. Il avait tout d’un maestro. Il me manque terriblement. Je serai présent le 23 septembre à l’Olympia, pour lui rendre un ultime hommage.

Je pourrais te faire un roman mais j’ai peur que vous ne soyez plus très nombreux à le lire:D

Je te laisse la dernière phrase, et surtout nous indiquer où , comment, quand on peut vous contacter, vous voir, acheter vos productions et votre merch, merci à toi pour ce temps consacré et à très bientôt.

Je te remercie pour ton soutien bien présent depuis nos débuts !

« Venom Within » est disponible en version CD sur le site d’Inverse Records ou sur notre page Bandcamp (attention : frais de port internationaux, le CD voyageant au départ de la Finlande). Il est également en écoute sur toutes les plateformes de streaming.

Vous pouvez retrouver nos précédentes productions et le merch associé sur notre page Bandcamp.

Mais que ce soit pour une commande, quelques mots ou un booking, n’hésitez surtout pas à nous contacter directement via nos réseaux sociaux. Nous avons nos propres stocks de produits et nous prendrons le temps de vous répondre avec grand plaisir !

Liens :

FB The Losts
Bandcamp The Losts
You Tube The Losts

Arch Gros Barbare
20 04 2026

GROUPE: SLAVEONE

TITRE ALBUM: The Seraphic Conspiracy

LABEL: Crypt of Dr Gore

DATE DE SORTIE: 2026

Voici déjà dix sept ans que SLAVEONE dissémine sa musique par delà les frontières , par delà les univers connus, parce que leur musique n’a de cesse de connaître une constante évolution. A l’instar de groupes tels que Gorguts évidemment, mais Blut Aus Nord également, SLAVEONE ne possède aucune étiquette, ne revendique aucun territoire, mais s’étend étrangement vers des contrées musicales que peu ont réussi à explorer et arrive à construire une réelle noblesse d’âme musicale au fil des ans. Le résultat fait qu’en s’approchant de la vingtaine d’années d’existence ce groupe a transformé sa musique album après album (et pourtant comme jadis certains grands groupes, ils ont une manière d’écrire posée et calibrée, car la qualité se mesure aussi sur le nombre de productions qui sont tout sauf pléthoriques) vers quelque chose de tellement singulier, de tellement personnel, que surfer simplement sur une écoute superficielle ne permettra jamais de comprendre la terrible profondeur de leur « death metal » devenu polymorphe aujourd’hui . Et paradoxalement autant leur humour omniprésent est bien souvent de piètre qualité (mais ça , on l’a compris depuis longtemps) qu’il est à des années-lumière de la qualité artistique et de composition d’un groupe de cet acabit.

SLAVEONE offre, en France en tous les cas, une musique intemporelle et unique.
Unique parce que personne sur cette scène hexagonale n’arrive à créer un univers aussi stellaire et nébuleux que celui des montargois.

Unique parce qu’ en plus de cette construction musicale complexe, vient toujours se mêler des artworks (signé ici sur ce nouvel album, par Belial Necroart) et des illustrations toujours extrêmement bien peaufinées, soignées, travaillées où le résultat est toujours à la hauteur de l’investissement.

Unique parce que les galères et les embûches qui se sont mises au travers de la route du groupe, au niveau du studio, au niveau des parties batterie, ne pouvaient arriver qu’à SLAVEONE.
Intemporelle parce que sur scène l’atmosphère est encore totalement d’une autre galaxie en comparaison avec le résultat studio et l’on découvre une réelle ouverture sur autre chose en terme d’émotions.

Intemporelle parce que le temps que vous ayez réellement ingurgité la portée de la composition , vous n’aurez jamais le loisir de dire de manière grégaire « vivement le prochain ».
Intemporelle parce que bien que les albums de SLAVEONE avoisinent toujours les quarante minutes, vous aurez toujours cette sensation d’infini qui transcende leur musique de manière spectrale.

Et la somme de ces deux adjectifs est indissociable parce que SLAVEONE crée un univers à lui tout seul grâce à une esthétique toujours très bien léchée où chaque édition en coffret limité va toujours plus loin, toujours plus « beau » ( proposant même un artwork différent)

Voici donc ce qu’est SLAVEONE au fur et à mesure des années, un groupe implacable ; un groupe irréprochable et qui construit sa musique comme un horloger suisse fabrique ses pendules avec une précision chirurgicale à ceci près que maintenant SLAVEONE réussit à stopper le temps à le suspendre et non plus à le chronométrer ou à le segmentariser. En un mot, un groupe indispensable.

INDISPENSABLE car il permet de donner à la musique quelque chose d’inaccessible qui donne matière à penser, à réfléchir et à réellement apprécier sans pouvoir la retenir de manière trop aisée.

Et voici donc ce qu’est exactement ce nouvel et troisième album de SLAVEONE.
Le groupe est allé encore plus loin vers une disharmonie calculée et pourtant très bien orchestrée.
Les racines absconses de leur death metal très ésotérique sont toujours là, ce qui s’entend très bien sur «  A sigil traced with coal », la voix de Tarvos est malléable et sait elle aussi s’adapter aux déclinaisons obscures que prennent constamment les chansons de SLAVEONE.

Et donc, même si les racines death sont toujours là, encore une fois, le groupe avance dans sa propre évolution. Et même si le groupe demeure constant dans son avancée vers une musique enténébrée, on sent qu’il veut aller plus loin dans la déconstruction. « Daeva-Avestan vortex », c’est un peu l’ « Uroboric » ou l’ « Aeon dissonance » de ce nouvel album. SLAVEONE progresse vers sa thématique cabalistique, et si la batterie est toujours aussi massive, on sent vraiment sur ce titre la volonté d’écrire une musique filandreuse où la confusion vient embrumer les esprits grâce à des passages extrêmement hermétiques et impénétrables qui ne se laissent apprécier qu’à la condition de réellement écouter les variations de guitares et de vocaux.

On n’écoute pas la musique de SLAVEONE comme on écoute Amon Amarth, le seul point commun c’est que les rameurs devant la scène vont juste ramer pour atteindre la subtilité des riffs et finalement leur côté réellement obscur et sibyllin. Ceci SLAVEONE le maîtrise de plus en plus en offrant à ses disciples un héritage death metal mais qui aujourd’hui commence à n’en laisser percevoir que les racines. « Sulphur » est d’une épaisseur imposante mais permet de respirer à chaque changement de mouvement pour mieux prendre une facette presque black metal intergalactique que l’on constate sur certains autres morceaux.

Ainsi la musique de SLAVEONE est devenue réellement sophistiquée dans le sens où chaque rythmique est dans la recherche d’une distinction pure, d’une complication et d’une subtilité extrême pour ne jamais offrir de facilité. Du coup « Suplhur » est à « The Seraphic Conspiracy » ce que Thanos est aux Avengers dans « Infinity wars » et « Endgame ».

L’ensemble de l’album est comme cela, bardé également de petit moments excentriques et biscornus comme sur « The Seraphic Conspiracy » ou « Ash-covered Guru », qui vous perdent encore plus dans ce trou noir béant et rempli d’anti-matière qui ne demande qu’à exploser ou imploser. Avec cette particularité que « Ash-Covered Guru » possède une projection musicale plus terre-à-terre que ces consœurs sur l’album , tandis qu’à côté de cela la folie des trois actes de « The adversal path » aura fini de vous déstabiliser complètement. Ce denier titre, décomposé en trois actes « Profane-Penitent et Theistic » est extrêmement adroit et insaisissable en même temps qu’il signe définitivement le fait que la musique de SLAVEONE maintenant s’impose en perturbateur endocrinien de la musique death metal avec cette légère tendance aujourd’hui à vouloir interférer avec le black metal.
Il ne tient qu’à toi « Oh sombre apôtre, pourvoyeur de lumière , que ta volonté soit nôtre. Un abyme de prières, des louanges aux lithanies sybiliennes, Egregore de cette spéculaire doctrine »

Et ce « The Seraphic Conspiracy » a totalement raison : Après eux, le néant.

NB : Le terme « dissonant » n’a été utilisé qu’une seule fois : à l’instant.

Arch Gros Barbare

20/04/2026